Alessandra Borgogelli

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IL RITRATTO ITALIANO NEL RINASCIMENTO

Ottobre 2024

ART E DOSSIER N. 424

VEDOVA

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ART E DOSSIER N. 425

Edgar Degas (1834-1917), impressionista atipico, preferiva il teatro e l'ippodromo alla natura. Le sue opere riflettono un realismo centrato sulla vita quotidiana e sul movimento, specialmente delle ballerine, trasmettendo l'istante attraverso la luce.

La ragnatela degli impressionisti

Il primo periodo

I dipinti di storia

I ritratti

Il mondo del teatro

Quadro cronologico

Bibliografia

Versione cartacea

i dipinti di storia Degas torna definitivamente a Parigi nel 1859, dopo i ripetuti richiami del padre. Da questo momento, per tutta la prima metà degli anni Sessanta, la sua pittura riflette su se stessa tutta la miriade di maestri visti in Italia. ramite lunghi studi, l’artista riesce a conciliare in modo originale e spontaneo l’immenso bagaglio museale che si era portato dietro e inventa una pittura di storia all’interno della quale si integrano in modo perfetto i vari referenti. Si tratta di una specie di sfida alla pittura antica, che viene “citata”, ma anche immediatamente superata dalla novità dell’insieme. Le storie lontane e vicine rimangono solo nei titoli, mentre all’interno delle singole opere viene brillantemente eliminato ciò che risulterebbe troppo esplicativo. T Su questa linea nasce nel 1859 , che è il più grande quadro di questo periodo. Degas si confronta con un tema biblico, che aveva già ispirato Buron, Chateaubriand e Vigny. Quale la storia? Jefte, in cambio della salvezza degli ebrei, aveva promesso di sacrificare la figlia. Il tema è tipicamente romantico, anche se lo stile rimane lontano da un eccessivo rapporto col passato, nonostante le citazioni di Sodoma, di Cesare da Sesto e di Mantegna. Inoltre la dinamicità scorrente ricorda il “nervosismo” di Luca Signorelli, risolto in un contesto che deve molto a Veronese, a Poussin, ma soprattutto a Delacroix. Degas infatti in quest’opera, come nel , sembra essere in balia di quella “malattia del colore” contratta da Moreau e, indirettamente, dal suo maestro. Il 4 gennaio del 1859, il padre gli aveva scritto: «Tu sai ch’io sono poco propenso a condividere il tuo parere su Delacroix, questo pittore si è abbandonato alla foga delle sue idee e ha trascurato, disgraziatamente per lui, l’arte del disegno, l’Arca santa da cui tutto dipende; egli», conclude, «si è completamente perduto». La figlia di Jefte Dante e Virgilio Poco dopo Degas si “riequilibra” nella (1860-1862), bloccando gli ardori precedenti in una composizione orizzontale, molto più consona a favorire un rapporto paratattico, calmo, lento e tranquillo. Per un attimo sembrano ricomparire i ritmi di Piero della Francesca, anche se la città di Babilonia è data in modo fantomatico, vibrante e leggero. Manca la forte plasticità del gruppo umano, a destra, che è fermo, austero e ieratico. In tale modo Degas blocca e semplifica gli eventuali ricordi derivanti dalla rappresentazione della di Rossini, rappresentata all’Opéra proprio nel 1860. Semiramide che costruisce Babilonia Semiramide Il ritmo compositivo orizzontale ritorna sia nella sia nelle . Nel primo lavoro si succedono tre blocchi di figure umane, mentre nel secondo troviamo solo due gruppi. Il terzo infatti è spostato indietro, al centro, e si integra in modo impercettibile nella natura solare. Degas ora si sposta all’esterno e sembra rubare da antichi fregi o dalla pittura quattrocentesca e neoclassica un ritmo particolare, secondo il quale le storie scorrono in strisce di pittura. Tutto rimane sospeso, come allora, ma viene completamente rinnovato. Così il braccio teso della fanciulla è simile a quelli ricorrenti nella pittura neoclassica che sentiva un forte bisogno morale di indicare un’azione importante. È ribaltato però in un’azione “vera” e vitale di un corpo non più vestito ma nudo. Famiglia Bellelli Giovani spartane Degas inventa una gioventù “riscaldata” e scattante, tanto da fare dimenticare in parte le differenze di sesso, giocando sull’androginia delle donne e, viceversa, sull’effeminatezza dei ragazzi. Lo stile sintetico adottato serve a bilanciare i due gruppi in primo piano sullo sfondo, che non contrasta con il colore dei corpi, ma anzi lo sottolinea con calde dorature. Degas riesce a darci un dipinto senza tempo e perciò elimina volutamente tutti i referenti storici, che rimangono, anche in questo caso, solamente nel titolo. Quel che conta è una esercitazione sui giovani, dopo tanti dipinti rivolti a cogliere l’età umana della piena maturità. Giovani spartane che invitano i ragazzi a combattere (1860-1862), particolare; Londra, National Gallery. Appunti per La figlia di Jefte (1859-1860); Parigi, Bibliothèque Nationale de France. Lo stesso azzeramento dei referenti storici si ritrova anche nell’ultimo dipinto di storia di Degas, presentato al Salon del 1865. Scene di guerra nel Medioevo Anche in questo caso i referenti storici si attenuano a tal punto che Hélène Adhémar ha pensato a un soggetto legato a fatti contemporanei, avvenuti a New Orleans ai tempi delle invasioni nordiste. Potrebbe infatti trattarsi di una allegoria della crudeltà, la stessa che Degas poteva vedere allora nei di Goya, comperati nell’edizione del 1863. Indipendentemente dal soggetto trattato, rimangono ben fermi i fatti cruenti, quali la fuga, l’incendio e la violenza verso le donne. Disastri della guerra Anche in questo lavoro ci troviamo di fronte a un puzzle di citazioni, da Andrea del Sarto dell’Annunziata, al Botticelli, fino a Füssli, al quale sembrano riferirsi le chiome fluenti delle donne in fuga. Queste ultime appaiono comunque frutto di una sintesi della sequela di derelitte e di perseguitate di tutti i tempi. L’intera composizione tratta di morte e di distruzione; dal colore livido che domina, rotto solo da colpi di giallo al centro, agli alberi secchi e sparuti, simili a quelli di Mantegna, di Crivelli e di Giovanni Bellini. Nell’opera di questi artisti ciò che è secco e improduttivo era un tipico simbolo di morte, di distruzione e di fatti cruenti. E, in questa occasione, Degas riassume l’aridità della natura dal passato come complemento alla fuga delle derelitte che torcono i corpi nudi e le chiome di molti colori in varie direzioni. La figlia di Jefte (1859-1861); Northampton (Massachusetts), Smith College Museum of Art. Semiramide che costruisce Babilonia (1860-1862); Parigi, Musée d’Orsay. Studio di cavallo per Semiramide che costruisce Babilonia (1860 circa); Parigi, Musée du Louvre, Département des Arts Graphiques. Giovani spartane che invitano i ragazzi a combattere (1860-1862); Londra, National Gallery. Degas sembra essersi ispirato a Delacroix che rappresentò lo stesso tema nella decorazione della biblioteca di palazzo Borbone a Parigi, mentre per i nudi si è rifatto a Puvis de Chavannes. È interessante notare come le figure femminili, con i loro gesti ritmati e armonici, preludano già alle ballerine protagoniste dei dipinti successivi. Scene di guerra nel Medioevo (1865); Parigi, Musée d’Orsay. Studio di donna per Scene di guerra nel Medioevo (1864-1865); Parigi, Musée du Louvre, Département des Arts Graphiques.

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Edgar Degas: Impressionista delle Ballerine

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