Gérard-Georges Lemaire

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IL RITRATTO ITALIANO NEL RINASCIMENTO

Ottobre 2024

ART E DOSSIER N. 424

VEDOVA

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ART E DOSSIER N. 425

Esplora l'itinerario artistico di Claude Monet. Dalle prime prove al Salon alla rivoluzionaria esposizione impressionista del 1874, fino alla scoperta della pittura en plein air e all'avventura delle Ninfee. Scopri la storia di Monet con l'aiuto di documenti d'epoca e dei suoi ricordi.

Il giovane Oscar

Sulle orme di Manet

L’esposizione da Nadar

L’arte in giardino

L’impressionismo in pietra

Le ninfee

Le ninfee di Claude Monet: il cieco che vede

Quadro cronologico

Bibliografia

Versione cartacea

di manet Sulle orme Nel 1865 Monet si sente pronto ad affrontare la prova decisiva del Salon. Sottopone alla giuria due tele che vengono accettate. a e la sono accolte abbastanza bene dalla critica; qualcuno, maligno, dice che è per far arrabbiare Édouard Manet a causa dell’omofonia dei cognomi. Questo insperato successo gli dà coraggio e, l’anno seguente, invia due nuovi quadri: e , un ritratto della sua compagna, Camille Doncieux. Ancora una volta la critica gli rivolge qualche elogio; significativo, soprattutto, è quello di Émile Zola: «Confesso che il dipinto che ha catturato più a lungo la mia attenzione è di Monet. Ecco una tela viva e piena di energia […] Davvero, qui c’è qualcuno che ha del temperamento, c’è un tra tutti questi eunuchi. Guardate i quadri accanto e vedete quanto restino mortificati da questa finestra spalancata direttamente sulla natura! Qui abbiamo qualcuno che è più che realista, qualcuno che sa interpretare ogni dettaglio con delicatezza e con forza ma senza cadere nel tedio». In realtà, Claude Monet aveva in mente il progetto di esporre al palazzo dell’Industria un altro quadro, assai più ambizioso della sua . «Questa» racconterà nel 1920 al duca Édouard de Trévise, «è una che avevo fatto dopo quella di Manet; procedevo, come tutti allora, con piccoli studi sulla natura per poi comporre l’insieme nel mio studio». In quel momento si trova a Chailly, vicino a Ville d’Avray. Chiama Bazille e gli chiede di raggiungerlo urgentemente per posare, insieme a Camille, per quell’impresa audace che è la sua rivisitazione del celebre quadro di Manet. Monet sistema la tela, enorme (alta circa 4 metri e lunga 6), in giardino. Ma le cose non vanno come spera. Courbet critica il dipinto, e poi c’è il dramma della mancanza di soldi. Deve lasciare una gran parte delle sue tele in pegno ai proprietari della pensione di Chailly, e le riprenderà solo qualche anno più tardi, ma troverà la in pessime condizioni. Quest’opera mette in evidenza la situazione di Monet. È chiaramente sotto l’influsso di Manet, che incontra tramite lo scrittore Zacharie Astruc. Tenta di oltrepassare i suoi principi pittorici e di realizzare “en plein air” ciò che, per l’autore dell’ , è solo speculazione intellettuale. D’altra parte, risente della nozione di realismo di Courbet, oltre che di alcuni dei suoi procedimenti. A differenza di Manet, rimane ancora attaccato al soggetto, che non ha il carattere emblematico dello scandaloso quadro del Salon del 1863. In una certa misura, Monet risponde alla definizione che il critico Castagnary dà del “naturalismo”: quella scuola, secondo lui, «afferma che l’arte è espressione di vita in tutte le sue forme e a tutti i livelli, e che il suo unico scopo è quello di riprodurre la natura portandola al massimo grado di potenza e d’intensità». L Foce della Senna a Honfleur Punta della Héve con la bassa marea La foresta di Fontainebleau Camille in abito verde Camille in abito verde uomo Camille Colazione sull’erba Colazione sull’erba Olympia Camille in abito verde (1866); Brema, Kunsthalle. Foce della Senna a Honfleur (1865); Pasadena, Norton Simon Museum. Edouard Manet, Colazione sull’erba (Déjeneur sur l’herbe) (1862-1863); Parigi, Musée d’Orsay. Colazione sull’erba (1865); Mosca, Museo statale Puškin di Belle Arti. È uno studio compositivo per la grande tela lasciata incompiuta nel 1866, di cui sono pervenuti due frammenti oggi al Musée d’Orsay di Parigi. Bazille e Camille (1865); Washington, National Gallery of Art. È uno studio “en plein air” per la grande Colazione sull’erba. Colazione sull’erba (1865); Parigi, Musée d’Orsay. È un particolare della porzione sinistra del grande dipinto incompiuto pervenuto frammentario. E Monet non ha nemmeno il piacere di vedere la sua opera figurare tra quelle selezionate dalla giuria del Salon nell’anno dell’Esposizione universale. Viene rifiutata la grande tela con le , opera rivoluzionaria realizzata “en plein air” a Ville d’Avray con una sola modella, («Quel quadro, l’ho veramente dipinto sul posto, cosa che allora non usava farsi. Avevo scavato un buco per terra, una specie di fosso, per farvi scorrere progressivamente la tela mentre dipingevo la parte alta [...] talvolta Courbet veniva a trovarmi e mi dava dei consigli»). Il quadro è trasportato da Bazille che l’ha comprato a rate per aiutare il compagno, ancora in difficoltà. Più tardi, Monet l’acquista dopo la morte del giovane pittore di Montpellier. A quei tempi, Monet è abbastanza occupato dalla descrizione dei luoghi. La , così come la “serie parigina” con , il , il , sono altrettante manifestazioni della sua volontà di rispettare al massimo la realtà fisica della percezione. La sua tecnica evolve in modo tangibile: si orienta verso piccoli tocchi rapidi e i colori sono spesso puri. La struttura dei quadri rimane rigida, ben disegnata. Le audacie, peraltro non trascurabili, sono frenate dalle maglie di solide architetture compositive. È presente al Salon del 1868, con la ; il quadro ottiene una discreta accoglienza, ma Monet è sempre più assillato da preoccupazioni di ordine economico. Si risolleva, per qualche tempo, grazie all’aiuto di un amatore d’arte, Gaudibert. Riesce anche a vendere a Arsène Houssaye, direttore della rivista “L’Artiste”. Ma nulla è veramente risolto. Nel 1869 trova una piccola casa nella frazione di Saint-Michel, nei pressi di Parigi, vicino a Bougival. Auguste Renoir gli fa spesso visita. Scrive il giovane: «Sto quasi sempre da Monet [...] Non tutti i giorni si mangia. Tuttavia, sono contento lo stesso perché, per quel che riguarda la pittura, Monet è un’ottima compagnia». Renoir e Monet decidono di lavorare sugli stessi soggetti. Non è semplice gioco o una specie di sfida, ma piuttosto un procedimento sperimentale che studiano e mettono alla prova per parecchi anni di seguito. È da questa particolarissima procedura e da questo lavoro fianco a fianco che nascono le due versioni di , un piccolo ristorante, affiancato da uno stabilimento di bagni, sulla riva di un braccio minore della Senna tra Chatou e Bougival. Per Monet, così come per l’inseparabile amico, questi studi costituiscono un’occasione unica per lavorare sulle variazioni e gli effetti della luce e, in modo più specifico, sul riverbero e i riflessi nell’acqua, come nota John Rewald: «Lo studio dell’acqua offriva un pretesto per rappresentare masse informi animate solo dalla ricchezza delle sfumature, e grandi superfici la cui materia incoraggiava l’uso di vivide pennellate». Nel 1878, Émile Zola farà notare: «È uno dei pochi pittori che sappia dipingere senza stucchevoli trasparenze, senza riflessi menzogneri. In lui, l’acqua è viva, profonda, soprattutto vera». Ma, mentre i suoi affari sono sempre disastrosi, Monet, nel 1870, non ha la possibilità di esporre al Salon. Daubigny, non riuscendo ad imporre nemmeno una delle sue tele, dà le dimissioni, come già aveva fatto Corot. Donne in giardino Camille Terrazza a Sainte-Adresse Saint-Germain l’Auxerrois Quai du Louvre Jardin de l’Infante Nave che lascia il porto di Le Havre Camille in abito verde La Grenouillère Donne in giardino (1866); Parigi, Musée d’Orsay. Jardin de l’Infante (1866); Oberlin, Allen Memorial Art Museum. La terrazza sul mare a Sainte-Adresse (1867); New York, Metropolitan Museum of Art. La Grenouillière (1869); New York, Metropolitan Museum of Art. «Ogni gomito del fiume, ogni salice ci ricorda una mostra»: così i Goncourt si espressero su questo celebre luogo sulla Senna vicino a Bougival. Monet e Renoir lo raffigurano stando uno accanto all’altro, con i cavalletti sulla riva del fiume. Ma Monet, nella realizzazione dei riflessi d’acqua, si spinge più in là del suo amico. Questa tela è considerata dalla critica la sua prima opera compiutamente impressionista. Il quadro di Renoir sullo stesso soggetto è conservato al Nationalmuseum di Stoccolma. Auguste Renoir, Ritratto di Monet che legge (1868); Parigi, Musée Marmottan Monet. Scoppia la guerra. Il Secondo impero crolla. Parigi viene assediata. Monet è a Trouville in Normandia, con che ha sposato il 28 giugno. Vede le navi prese d’assalto. A sua volta parte per l’Inghilterra. Pissarro, Daubigny, Bonvin, Sisley e altri ancora si sono rifugiati a Londra in attesa della conclusione dei tragici avvenimenti che colpiscono la Francia. Claude Monet stringe amicizia col paesaggista Daubigny a tal punto che quest’ultimo gli presenta il proprio mercante – Paul Durand-Ruel che ha appena aperto una galleria in New Bond Street a Londra – perché gli acquisti alcuni quadri. Ma Monet sta bene soprattutto in compagnia di Pissarro col quale condivide un entusiasmo mai smentito per la capitale inglese. Essi amano anche Gainsborough, Constable e naturalmente Turner, del quale tuttavia, come ricorda Pissarro, Monet non apprezza l’«esuberante romanticismo». Stimano anche George Frederick Watts e Dante Gabriele Rossetti. Anche a Londra, Monet lavora intensamente, sempre dipingendo “en plein air”. È particolarmente attratto dai parchi della città, ci informa Pissarro. E infatti, accanto a una veduta del Parlamento che anticipa il gruppo di dipinti a cui lavorerà nei successivi soggiorni londinesi, lascia una suggestiva tela che ha come soggetto . Finita la guerra, annientata la Comune in un bagno di sangue, Claude Monet non rientra direttamente in Francia come la maggioranza dei compatrioti esiliati. Va in Olanda dove tra l’altro farà un secondo soggiorno l’anno seguente. Ne riporta numerose tele tra cui il , il e , dove rivela una grande libertà stilistica e un marcatissimo distacco nei confronti del “soggetto” che non ha più niente di pittoresco, singolare o “naturalista”, ma non è più altro che un veicolo per meditazioni plastiche, non esiste se non al termine di trasposizioni pittoriche che si susseguono e dalle quali trae il suo valore emotivo e poetico. Camille Camille Hyde Park Mulino a Zaandam Mulino di Gooyer ad Amsterdam Marina olandese Hôtel des Roches Noires a Trouville (1870); Parigi, Musée d’Orsay. Hyde Park (1871); Providence, Rhode Island School of Design Museum. Zaandam (1870); Parigi, Musée d’Orsay.

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Claude Monet: Itinerario Artistico e Celebri Ninfee

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