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Ottobre 2024

ART E DOSSIER N. 424

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ART E DOSSIER N. 425

Difficile dare una definizione di Bruno Munari (Milano 1907-199 8): è stato un artista “totale”: grafico, designer, scrittore, artista cinetico, film-maker, inventore di giochi, didatta, sperimentatore di tecniche, impegnato nelle applicazioni estetiche della matematica e naturalmente pittore, scultore... Egli stesso rifuggiva da etichette e appartenenze. È stato uno dei più influenti intellettuali della Milano anni Cinquanta e Sessanta. Suo punto di partenza è il futurismo, ma anche Dada e il surrealismo; alla fine degli anni Quaranta è tra i fondatori, con Gillo Dorfles, del Movimento arte concreta, espressione estrema di un astrattismo che concepisce come oggetto della sua ricerca solo se stesso, il colore, l’interiorità prima che la forma. La sua dote creativa principale forse era la fantasia – che gli consentiva di creare “oggetti immaginari” o “forchette parlanti” e “libri illeggibili” – unita a un’invidiabile dose di ironia. Una mostra a Verona celebra ora la sua opera creativa.

Il passato futurista

Ambienti luminosi

La scultura da viaggio

La xerografia come performance

Oggetti a funzione estetica

Quadro cronologico

Bibliografia

LA SCULTURA DA VIAGGIO L’approccio di Munari nei confronti della scultura, basata sulla creazione di volumi nello spazio, a partire da superfici piane, è strettamente legato ad alcune opere che hanno anticipato l’idea innovativa di una scultura portatile, mobile e connessa con il retroterra culturale ed estetico di colui che la possiede. ’utilizzo del termine «Scultura da viaggio », già impiegato nel 1918 da Marcel Duchamp per una sua scultura aerea composta da strisce di gomma di vari colori – e da lui definita «una sorta di ragnatela» – va inteso come un omaggio nei confronti di un artista verso il quale Munari nutriva forte ammirazione. I due artisti, come ci ricorda il critico Gillo Dorfles, sono per molti versi comparabili, in particolare per la loro influenza «rintracciabile in alcune forme dell’arte di oggi che non sono legate alla pittura e alla scultura tradizionali ma, semmai, all’installazione e all’uso dell’oggetto ». Entrambi sono presenti in importanti mostre collettive di rilievo internazionale nel periodo 1956-1968. Osservando però attentamente le creazioni di Munari, si può notare che esse si differenziano per la loro caratteristica fortemente estetizzante, fondamento di ogni sua operazione artistica. L Munari ha spesso utilizzato un approccio sperimentale basato su un metodo che in prima istanza pone lo studio dei materiali e delle loro possibilità comunicative, osservandone i limiti e i punti di forza, senza preoccuparsi di alcuna finalità “a priori”. Spesso un’idea prototipale resta a decantare per anni nello studio fino a che, opportunamente modificata, acquisisce una sua “maturità” teorica e in quanto tale pronta a essere proposta al pubblico. Per questo una scultura del 1936 riveste una certa importanza nel processo di definizione della «Scultura da viaggio», anche se una messa a punto definitiva di questa idea di scultura planare si concretizzerà solo nel 1958 con la presentazione al pubblico di queste nuove creazioni. Per dare forma alla scultura del 1936 Munari parte da una figura piana ed elementare come quella di un triangolo isoscele. Utilizzando un foglio di metallo l’artista pratica un piccolo taglio e, attraverso cinque piegature, crea una figura tridimensionale a sei facce che ricorda vagamente alcune composizioni, non figurative, ottenibili con il “tangram”. Il risultato ottenuto da queste semplici operazioni è una scultura di impianto astratto-concreto dalla forma complessa che osservata a trecentosessanta gradi, attraverso piccoli spostamenti rotatori, mostra forme sempre mutevoli ottenute per contrasto tra pieno e vuoto e tra volumi sporgenti e rientranti. Scultura (1936). Scultura pieghevole (1951). Scultura (1951 / 1991). Scultura da viaggio (1958). «Ormai la scultura non è solo quella fatta con lo scalpello su blocchi di pietra. Certamente i collezionisti che vogliono spendere bene il loro denaro le vogliono di Bronzo, magari un calco di una patata, ma di Bronzo. Io non penso ai collezionisti quando faccio le mie ricerche. Ed è perciò che alcune sculture sono presentate addirittura in cartoncino, alcune sono realizzate in metallo o in legno, una è di carta velina leggerissima come un aquilone». (Bruno Munari) Il dinamismo di una forma e la sua rappresentazione in divenire è sempre al centro della ricerca di Munari dove tutto è in trasformazione e dove il movimento reale o percepito permette di ottenere una molteplicità di forme. Colpisce, infine, una netta somiglianza tra questa scultura e alcune opere in alluminio, strutturalmente simili, realizzate da Lygia Clark negli anni Sessanta. Nel 1948 Munari inaugura una mostra personale alla Galleria Borromini di Milano. L’esposizione è molto importante per la carriera dell’artista e venne documentata da un piccolo catalogo in cui spicca una presentazione dello scrittore Dino Buzzati. In questa mostra Munari, oltre a esporre oggetti mobili, presenta anche una scultura in metallo che viene riprodotta in catalogo e indicata come plastico di ottone smaltato. Anche in questo caso, come nell’esempio della scultura del 1936, un foglio di metallo viene tagliato lungo alcune linee rette per permettere a parti del foglio di essere piegate verso l’alto o verso il basso, in modo da creare un volume-scultura in cui i pieni e i vuoti creano forme negative-positive. L’importanza di questa scultura in metallo verniciato, che rimanda a certe composizioni spaziali degli anni Venti, in particolare a quelle di Katarzyna Kobro, è rafforzata dal fatto che negli anni successivi l’artista si dedicherà alla realizzazione di altre sculture pieghevoli in lamiera verniciata. Munari applica delle cerniere e progetta dei tagli in modo da ripiegare sia parti della scultura sia la scultura nella sua interezza. Tali opere risultano inoltre piuttosto affini, per tipologia di ricerca, ad alcune sculture minimali che Ellsworth Kelly sviluppa negli stessi anni. Il passo successivo di questa ricerca è utilizzare del materiale povero come la carta. La prima Scultura da viaggio in cartoncino colorato viene regalata nel 1958 come omaggio ai propri clienti dalla valigeria Valaguzza di Milano ed è prodotta in millecinquecento esemplari. Sempre nello stesso anno l’azienda Danese di Milano produce una Scultura da viaggio con forme differenti in cartoncino azzurro e in tiratura di mille esemplari. Scultura da viaggio (1959). Scultura da viaggio (1987). La leggerezza dell’arte (12 ottobre - 31 marzo 2024) “installation view” (2023); Verona, ArtHouse Eataly. Successivamente viene pubblicata, all’interno dell’annuario curato dal gruppo milanese del Movimento arte concreta (M.A.C.), un’altra creazione in cartoncino giallo. Sfogliando le pagine del volume la scultura prende forma con un effetto “pop-up” che ripropone un espediente grafico presente nei suoi libri per bambini già dal 1945. Munari inaugura, infine, nel giugno del 1958 alla galleria Montenapoleone a Milano la prima mostra dedicata a questo ciclo di opere. Notizie dell’evento, assai inusuale, vengono riportate dai quotidiani milanesi e in un articolo del 1960 si osserva che «quasi tutte queste sculture sono state esposte su grandi bauli italiani e valigie in pelle, invece dei piedistalli normalmente usati». Ogni scultura da viaggio è ottenuta da un unico foglio di cartoncino tagliato lungo brevi segmenti, seguendo le istruzioni del progetto. Il foglio viene poi piegato in modo da ottenere un oggetto a tre dimensioni risultato della visualizzazione di un pensiero estetico. Un pensiero che gioca con il contrasto tra volumi ad angoli convessi e ad angoli concavi, tra spazi vuoti e spazi pieni, tra volumi sporgenti e rientranti, tra forme solide e ombre. Nel libro Codice ovvio l’artista suggerisce di osservare come la luce illumini le varie parti sporgenti o rientranti della scultura, poi invita a girarla un poco affinché cambi aspetto e conclude notando che a quel punto «i vostri pensieri da pratici diventeranno lentamente estetici (la velocità dipende da voi)». In un’intervista radio dell’epoca, alla domanda su cosa avrebbe lasciato fuori dalla valigia tra dentifricio e scultura, avendo poco spazio, Munari risponde: «Il dentifricio perché lo puoi trovare ovunque, mentre non è vero per la scultura da viaggio». Il processo di costruzione della scultura da viaggio ha molto in comune con l’arte giapponese degli “origami”. Oltre alle suggestioni provenienti dalla cultura giapponese nella quale Munari ha ritrovato molte affinità con i suoi pensieri e le sue ricerche, vi è anche uno stretto legame con tutte le sperimentazioni effettuate al Bauhaus nei corsi preliminari che Josef Albers volle incentrare sugli studi plastici dei materiali, in particolare della carta. Munari presenta le sue opere scrivendo delle brevi note sul cartoncino di invito alla mostra che è anch’esso una piccola scultura: «Queste sculture da viaggio hanno la funzione di creare in una anonima stanza d’albergo o in un ambiente dove si è ospitati un punto di riferimento dove l’occhio trova un legame con il mondo della propria cultura. Esse fanno parte, assieme alla pittura da proiettare a luce polarizzata, di un nuovo modo dell’arte, che meglio si adatta alla vita d’oggi». Con queste opere Munari cerca una soluzione al problema di avvicinare l’opera d’arte a una dimensione culturale privata. La scultura da viaggio ha tutte le caratteristiche tipiche della contemporaneità: è trasportabile, è “low-cost”, è pratica, è al servizio del viaggiatore moderno, è leggera, quando viene esposta non necessita di grandi spazi, e risponde a quei bisogni estetici che appartengono normalmente alla sfera culturale privata dell’individuo. La scultura da viaggio rappresenta anche una piccola rivoluzione nella storia della cultura figurativa del Novecento italiano.

Esplora l'eclettismo di Bruno Munari (1907-1998): artista, designer e innovatore. Scopri il suo impatto a Milano e la mostra a Verona.

Bruno Munari: Artista Eclettico e Innovatore Mostra a Verona

Alberto Salvadori, Luca Zaffarano

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