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IL RITRATTO ITALIANO NEL RINASCIMENTO

Ottobre 2024

ART E DOSSIER N. 424

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ART E DOSSIER N. 425

Difficile dare una definizione di Bruno Munari (Milano 1907-199 8): è stato un artista “totale”: grafico, designer, scrittore, artista cinetico, film-maker, inventore di giochi, didatta, sperimentatore di tecniche, impegnato nelle applicazioni estetiche della matematica e naturalmente pittore, scultore... Egli stesso rifuggiva da etichette e appartenenze. È stato uno dei più influenti intellettuali della Milano anni Cinquanta e Sessanta. Suo punto di partenza è il futurismo, ma anche Dada e il surrealismo; alla fine degli anni Quaranta è tra i fondatori, con Gillo Dorfles, del Movimento arte concreta, espressione estrema di un astrattismo che concepisce come oggetto della sua ricerca solo se stesso, il colore, l’interiorità prima che la forma. La sua dote creativa principale forse era la fantasia – che gli consentiva di creare “oggetti immaginari” o “forchette parlanti” e “libri illeggibili” – unita a un’invidiabile dose di ironia. Una mostra a Verona celebra ora la sua opera creativa.

Il passato futurista

Ambienti luminosi

La scultura da viaggio

La xerografia come performance

Oggetti a funzione estetica

Quadro cronologico

Bibliografia

OGGETTI A FUNZIONE ESTETICA Munari per le sue opere prodotte industrialmente e in serie ha utilizzato una definizione sintetica basata su un presupposto teorico: «oggetti a funzione estetica». una definizione che si adatta perfettamente a lavori ascrivibili al confine tra arte e design. Mentre gli oggetti di design incorporano una precisa funzione, questi oggetti “ibridi”, nati all’incrocio di diverse discipline, per l’artista ne hanno una essenzialmente estetica. Munari, in molti suoi scritti, associa all’estetica di qualità una potenzialità culturale formativa, rigenerativa per l’individuo stesso. È Con questi oggetti a funzione estetica Munari intende rivolgersi a un pubblico ampio, andando a definire chiaramente la sua posizione teorica basata su una visione inclusiva, democratica e non elitaria dell’arte. La prima produzione in serie in venti esemplari è una Macchina inutile del 1956. Nel 1959 partecipa alla famosa edizione di multipli MAT (“Multiplication d’Art Transformable”) curata a Parigi dall’artista Daniel Spoerri, assieme ad Agam, Albers, Duchamp, Mack, Man Ray, Soto, Tinguely e molti altri artisti, con l’opera Struttura continua. Struttura continua è composta da un insieme di strisce di alluminio anodizzato piegate al centro in modo da formare un angolo retto. Ogni elemento viene poi fessurato lateralmente. Questi tagli permettono di combinare i moduli a incastro tra di loro. Le forme che si ottengono sono sempre diverse, poiché la soggettività con la quale ciascun fruitore può creare delle composizioni comporta una variabilità non deterministica nella morfologia finale della struttura. Munari parla di «natura inventata», perché le composizioni si aggregano per combinazioni, nello stesso modo in cui si sviluppano e crescono in natura certe strutture, influenzate, nella loro evoluzione, da molteplici condizionamenti ambientali. La struttura è componibile all’infinito e può svilupparsi nello spazio teoricamente senza fine. Il risultato, sostiene l’autore, è «qualcosa che sta tra il mondo minerale e la scultura». Declinazione grafica del nome Campari (1964), “installation view” (2023); Verona, ArtHouse Eataly. Gatto Meo (1949). Aconà Biconbì (1965), “installation view” (2023), Verona, ArtHouse Eataly. SuperFlexi (1968 / 1997), “installation view” (2023); Verona, ArtHouse Eataly. Aconà Biconbì è un’altra opera prodotta in serie con una struttura che si forma per aggregazione partendo da un modulo base: un cerchio, con un foro al centro, dal quale vengono ricavate, con l’iscrizione di un triangolo, tre alette da ripiegare per la concatenazione con altri elementi base. Anche questa struttura può crescere nello spazio, quasi come un gioco, all’infinito. Nel 1968 Munari crea Flexy, prodotta dichiaratamente contro le regole del mercato in tiratura illimitata. Flexy è realizzata con sei fili di acciaio inossidabile, di un metro di lunghezza ciascuno. La forma iniziale è quella di un tetraedro “molle” a linee curve. L’oggetto è distribuito in una scatola di cartone di un centimetro circa di spessore che, forata sul fronte, funge anche da basamento per l’oggetto stesso. Flexy è dotata di ventose per i piani lisci e ha quattro piccoli anelli di gomma che possono scorrere sui fili di acciaio in modo da poter variare la forma della struttura. Flexy può essere appesa, fissata alle pareti, esposta su ripiani trasparenti o retroilluminati. È un oggetto che serve a sperimentare le forme, non ha un davanti o un dietro, una destra o una sinistra. La sua topologia può essere a due dimensioni, a tre, anche a quattro. È un’opera rappresentativa di molteplici intenzioni teoriche all’incrocio di molte discipline: topologia, progettazione industriale, estetica, didattica, sperimentazione, gioco, arte. La sua versione in grandi dimensioni, con tubolari di gomma rossa lunghi sei metri, diventa un’opera ambientale, da mettere in tensione negli spazi espositivi, la cui forma è modellabile, interattiva. Munari nel 1945 applica dei semidischi di materiale colorato e trasparente alle lancette di una sveglia (Ora X). Le lancette delle ore, dei minuti e dei secondi, muovendosi con tempi differenti, compongono, tramite la sovrapposizione dei materiali, una forma a colori mutevoli. In una realizzazione successiva di questo progetto prodotta in cinquanta esemplari nel 1963 le lancette scompaiono, lasciando il posto a un design più essenziale dove protagonista è il colore che si forma all’ora X. L’oggetto svela «il colore degli attimi». La leggerezza dell’arte (12 ottobre - 31 marzo 2024) “installation view” (2023); Verona, ArtHouse Eataly, tre opere della serie Negativo-Positivo. Fontana per terrazza La ruota (1958). Interiors (1954), copertina della rivista “Interiors”. Il diario di Anna Frank (1958), copertina dell’edizione Einaudi. Da questa ricerca sulla percezione e il formarsi dei colori nasce negli anni Cinquanta e Sessanta l’idea di progettare alcune fontane: con dischi rotanti per la Fiera di Milano nel 1954 e nel 1961, a piani inclinati alla Biennale di Venezia nel 1952, con cinque gocce d’acqua a Tokyo nel 1965. La fontana La ruota, progettata nel 1958 per lo studio di Ico Parisi, utilizza il movimento, generato dalla caduta dell’acqua piovana raccolta dalle grondaie, per generare la formazione del colore attraverso la sovrapposizione di dischi colorati rotanti. In alcuni cicli pittorici di Munari la forma è percepita come instabile, come accade nel ciclo dei Negativo-Positivo, dove ogni parte della composizione è in primo piano oppure sullo sfondo a seconda della “lettura” di chi guarda. Le forme della composizione astratta sono distinguibili e autonome, come se fossero pezzi che compongono un “puzzle”; insieme formano un’unità che, paradossalmente, provoca instabilità percettiva dato che le forme possono essere viste tanto in evidenza quanto in “background”. La pittura si presenta come un’espressione dinamica che l’occhio dello spettatore percepisce in modo duale. Molte delle ricerche di Munari trovano applicazione pratica nella progettazione grafica di copertine di libri – importantissimo il lavoro per l’immagine editoriale di Einaudi – o di dischi (Ricordi, Columbia, La Voce del Padrone). In altri casi le sue sperimentazioni caratterizzano alcuni progetti su commissione, come nel caso degli studi sulla leggibilità di un marchio. Nel 1965, infatti, Munari progetta il Manifesto Campari, oggi nella collezione del MoMA di New York. In questo manifesto, affisso sui muri delle stazioni all’apertura della prima linea metropolitana di Milano, la ripetizione del logo aziendale risulta funzionale a una sua leggibilità, il marchio deve essere percepibile anche su un treno in velocità. Anche nel campo dell’industrial design il rapporto di Munari con molte aziende italiane è stato intenso e sempre innovativo, ricordiamo, tra le tante collaborazioni, quelle con Pirelli, Motta, Rinascente, Montecatini, Campari, Danese, Robots, Zanotta. Alla fine degli anni Quaranta, Pirelli inizia a commercializzare la gommapiuma e Munari, invitato a sperimentare questo nuovo materiale, inventa due giocattoli in gommapiuma armata di fil di ferro, entrambi modellabili, interattivi e innovativi nel panorama dell’epoca: il Gatto Meo nel 1949 e la Scimmietta Zizì nel 1953, con la quale l’anno seguente ottiene il prestigioso premio del Compasso d’Oro. Per i ragazzi, invece, progetta l’Abitacolo nel 1970, una struttura minimale in tondino di acciaio, commercializzato dall’azienda Robots. L’Abitacolo si presenta come una struttura neutra che invece di imporsi con il suo stile lascia liberi i ragazzi di arredare a piacere uno spazio abitabile tutto loro. A partire dal progetto Giocare con l’arte, realizzato a Milano nel 1977 su richiesta di Franco Russoli, allora sovrintendente della Pinacoteca di Brera, una parte importante del suo lavoro si dedica alla definizione di un metodo didattico per laboratori dedicati ai bambini, centrato sui processi di produzione e di sperimentazione, in modo da favorire, tramite l’esperienza, l’acquisizione di nuova conoscenza. La proposta di Munari, elaborata con un gruppo di esperti, fu un evento epocale per la città di Milano. In virtù di un approccio innovativo, il metodo proposto cerca di superare qualsiasi banale infantilismo per riconoscere nel periodo dell’infanzia quella dimensione di piacere per la scoperta, di desiderio di sperimentare senza preoccupazione o vincolo alcuno, quella gioia nella condivisione che l’artista stesso ci invita a preservare per tutta la vita: «Conservare lo spirito dell’infanzia dentro di sé per tutta la vita, vuol dire conservare la curiosità di conoscere, il piacere di capire, la voglia di comunicare». Better Day’s (1948), progetto di copertina. Manifesto Einaudi (1970), cartellone pubblicitario per libreria. Declinazione grafica del nome Campari (1964), “installation view” (2023); Verona, ArtHouse Eataly. «Il designer è un progettista dotato di senso estetico, che lavora per la comunità. Il suo non è un lavoro personale ma di gruppo: il designer organizza un gruppo di lavoro secondo il problema che deve risolvere. Il designer non lavora per una èlite, ma cerca di produrre nel modo migliore anche oggetti comunissimi di largo consumo. Il designer non ha stile alcuno e la forma finale dei suoi oggetti è il risultato logico di una progettazione che si propone di risolvere in modo ottimale tutte le componenti di un problema». (Bruno Munari) Abitacolo (1971).

Esplora l'eclettismo di Bruno Munari (1907-1998): artista, designer e innovatore. Scopri il suo impatto a Milano e la mostra a Verona.

Bruno Munari: Artista Eclettico e Innovatore Mostra a Verona

Alberto Salvadori, Luca Zaffarano

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