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IL RITRATTO ITALIANO NEL RINASCIMENTO

Ottobre 2024

ART E DOSSIER N. 424

VEDOVA

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ROMANINO

Il Giappone del XVII al XIX secolo è stato fortemente influenzato dal movimento artistico degli Ukiyo-e, che esplorava la cultura e i costumi del paese attraverso immagini incantevoli. Questo genere grafico, noto anche come "mondo fluttuante", era caratterizzato da una semplicità e una raffinatezza senza pari. Tra i grandi artisti di questo movimento ci sono Utamaro, Hokusai e Hiroshige, che&nbsp;hanno ormai raggiunto una popolarità pervasiva in tutto il mondo. Libri, mostre, stampe hanno contribuito a far diventare questi artisti un fenomeno di costume. Il presente dossier, scritto da uno specialista di arte orientale, racconta stile, contesto culturale e capolavori dei protagonisti di un genere grafico che ha segnato la storia artistica del Giappone tra il XVII e il XIX secolo.&nbsp;

Immagini del mondo fluttuante

Utamaro, il pittore delle donne

Hokusai, il genio dell’Ukiyo-e

Hiroshige, il maestro del paesaggio

Quadro cronologico

Bibliografia

Versione cartacea

HOKUSAI, IL GENIO DELL’UKIYO-E «Dall’età di sei anni ho la mania di copiare la forma delle cose, e dai cinquanta pubblico spesso disegni, tra quel che ho raffigurato in questi settant’anni non c’è nulla degno di considerazione. settantatré ho un po’ intuito l’essenza della struttura di animali e uccelli, insetti e pesci, della vita di erbe e piante e perciò a ottantasei progredirò oltre; a novanta ne avrò approfondito ancor di più il senso recondito e a cento anni avrò forse veramente raggiunto la dimensione del divino e del meraviglioso. Quando ne avrò centodieci, anche solo un punto o una linea saranno dotati di vita propria». Così scrive Katsushika Hokusai (1760-1849) di se stesso nel colophon al primo volume delle Cento vedute del monte Fuji, pubblicato nel 1834: raggiunti ormai i settantacinque anni, l’artista ripercorre così i momenti salienti della sua già lunga vita, esprimendo al contempo la volontà di continuare a ricercare attraverso il pennello e l’inchiostro la perfezione, la bellezza e la verità, i segreti della vita. A La produzione di Hokusai si può dire sterminata: dipinti, disegni, stampe sciolte, libri illustrati, in numero forse incalcolabile. Una sorta di frenesia simile a una fame insaziabile lo costrinse, fin da ragazzo, a non abbandonare praticamente mai il pennello e i colori. Nato il 31 ottobre del 1760 nel quartiere di Honjoˉ (distretto di Katsushika, nome quest’ultimo con cui è anche noto Hokusai), a est del fiume Sumida nella capitale Edo, il suo nome di infanzia fu Tokitaroˉ . Trascorse l’infanzia presso Nakajima Ise, pulitore di specchi al servizio dello shogun Tokugawa, ma riguardo ai suoi genitori naturali esistono a tutt’oggi delle incertezze. Hokusai, Peonie e cardellino, dalla serie Piccoli fiori (1834); Boston, Museum of Fine Arts. Hokusai, Primavera a Enoshima, da Rami di salice piangente (1797); Londra, British Museum. I Manga, testo didattico per allievi e amatori d’arte, sono l’opera che meglio esemplifica la genialità di Hokusai. Hokusai, Acrobati, dai Manga, VIII volume (1819); New York, Metropolitan Museum of Art. Hokusai, Pescatrice di awabi e piovra, da Spasimi d’amore (1814). Nel 1889 Joris-Karl Huysmans scriveva di quest’opera: «La più bella stampa giapponese che conosco fa davvero paura: si tratta di una donna giapponese rapita da un polipo; con i suoi tentacoli l’orribile mostro le succhia i capezzoli e le fruga in bocca, mentre la testa beve dalle zone più basse. L’espressione quasi sovraumana di tormento e dolore che sconvolge la lunga forma aggraziata dal naso aquilino e la gioia isterica che allo stesso tempo scaturisce dalla fronte sono del tutto ammirevoli». Già negli anni dell’adolescenza Hokusai cambiò per una prima volta il suo nome, da Tokitaroˉ a Tetsuzoˉ (magazzino del ferro). È in questa fase che il giovinetto fu assunto come fattorino in una biblioteca di libri a prestito, e poi, a circa quattordici anni, iniziò a lavorare come apprendista presso un laboratorio di intaglio xilografico. Il 1778 fu un anno decisivo per Hokusai che divenne allievo di Shunshoˉ , fondatore e capo della prestigiosa scuola Katsukawa. Appena un anno dopo, l’artista cominciò a firmare le sue prime opere col nome di Shunroˉ (splendore di primavera), la cui prima parte “Shun” lo identificava come membro della scuola Katsukawa, secondo l’uso per cui il maestro concedeva ai propri allievi più meritevoli di utilizzare un ideogramma del proprio appellativo. Nel “periodo Shunroˉ ”, durato fino almeno al 1793, Hokusai sperimentava anche nuove strade, cimentandosi, per esempio, con il genere delle stampe prospettiche (“uki-e”), utilizzate per descrivere vedute panoramiche oppure interni di architetture, soprattutto i palcoscenici dei teatri “kabuki”. Abbandonata la scuola Katsukawa, sul finire del 1794 assunse il nome di Soˉ ri, instaurando un rapporto con la scuola Tawaraya, il cui maestro e fondatore era stato Tawaraya Soˉ ri (attivo tra il 1764 e il 1780). In quello stesso anno la sua prima moglie morì lasciandolo solo ad accudire tre piccoli bambini; di lì a poco si sarebbe risposato divenendo padre di altri due figli. Il “periodo Soˉri” (1794-1797) fu per Hokusai uno dei più intensi in relazione alla produzione di “egoyomi” (stampe-calendario) e “surimono” (biglietti augurali), pregevoli soprattutto per la perfetta simbiosi tra le immagini ideate da Hokusai – dipinte perlopiù a colori tenui – e i versi apposti sui fogli, in un affascinante connubio di complessi rimandi letterari e suggestioni poetiche. In questo stesso periodo l’artista cominciò a cimentarsi con il tema del paesaggio. La stampa Primavera a Enoshima, all’interno della raccolta Rami di salice piangente (Yanagi no ito) del 1797, mostra già insieme alcuni dei soggetti più tipici della successiva opera di Hokusai: il monte Fuji, le onde, la vegetazione, le figure umane. Tra la fine del 1797 e l’inizio del 1798 l’esperienza nello studio Tawaraya era giunta all’epilogo: il maestro fondò una propria bottega alla quale diede il nome di Hokusai (studio del Nord), in onore della divinità di ambito buddista Myoˉken associata appunto con la stella polare. Nel “periodo Hokusai”, collocabile grosso modo tra il 1798 e il 1810, il maestro preferì inserire le sue figure in un contesto naturalistico o paesaggistico, evitando quei fondi neutri prima prevalenti: a cavallo tra i due secoli, quindi, il paesaggio diventò sempre più un tema indipendente. Il quinquennio tra il 1810 e il 1815 costituisce un momento di passaggio: pur continuando fino al 1815 a firmare alcune opere con il nome Hokusai, cominciò a utilizzare lo pseudonimo Taito, abbreviativo di Taihokuto, nome che in astronomia designava una stella della costellazione dell’Orsa minore. Hokusai, Ashigai, dalla serie Conchiglie al paragone [dell’era] Genroku (1821); Chiba, Chiba City Museum of Art. La serie è composta da “surimono” a formato quadrato. I “surimono” sono biglietti augurali non messi in vendita ma scambiati di solito in particolari occasioni, come per il Capodanno. Hokusai, Acquazzone improvviso (1826); Leida, Museum Volkenkunde. Hokusai, Giornata limpida col vento del sud (Fuji rosso), dalla serie Trentasei vedute del monte Fuji (1830-1832 circa); New York, Metropolitan Museum of Art. Hokusai, La [grande] onda presso la costa di Kanagawa, dalla serie Trentasei vedute del monte Fuji (1830-1832 circa); Amsterdam, Rijksmuseum. Nel 1812 Hokusai fu invitato dal mecenate e allievo Bokusen (1736-1824) a trasferirsi per un periodo a Nagoya. Lì il maestro, sollecitato dagli stessi discepoli, mise a punto una delle sue opere più famose, riconosciuta come tale sia dalla critica giapponese sia da quella occidentale: i Manga, abbreviazione del titolo Educazione dei principianti tramite lo spirito delle cose. Schizzi sparsi di Hokusai (Denshin kaishu Hokusai Manga). Pubblicati in quindici volumi, dei quali il primo nel 1814, il secondo nel 1815, il terzo e il quarto nel 1816, quattro nel 1817, il decimo nel 1819, l’undicesimo e il dodicesimo nel 1834, il tredicesimo nel 1849 e due usciti postumi prima del 1878, i Manga (termine prettamente giapponese, tradotto comunemente come “schizzi sparsi”) sono un’opera ambiziosa ed eterogenea, summa delle qualità artistiche del maestro. Centinaia di immagini si susseguono senza sosta, tra esseri umani e animali, elementi della natura, agenti atmosferici, architettura, aspetti tecnologici, divinità, e molto altro ancora, dando vita a un mondo: il mondo di Hokusai, la sua visione troppo reale per essere vera, troppo acuta e raffinata per essere caricatura, nonostante prevalga diffusamente una predilezione per l’ironia, ai confini della comicità. Dal punto di vista editoriale, i Manga furono il frutto della collaborazione della casa Eirakuya di Nagoya con la Kadomaruya di Edo, operazione che contribuì a incrementare la popolarità di Hokusai anche al di fuori della capitale. Nel “periodo Taito” (1810-1820) Hokusai, allora dedito soprattutto a opere seriali, produsse le sue migliori stampe di soggetto erotico (“shunga”), genere al quale si dedicò durante quasi tutto l’arco della sua lunga carriera. Al 1814 risale infatti la pubblicazione del libro Spasimi d’amore (Kinoe no komatsu), nel quale è contenuta la celebre immagine Pescatrice di awabi e piovra, descritta nel 1896 da Edmond de Goncourt come «una tavola terrificante [...] la figura nuda di una donna che sviene dal piacere». Quasi a sottolineare la rinascita dopo il sessantesimo anno – età in cui per i giapponesi si conclude un ciclo astrologico completo –, alla fine del 1819 Hokusai scelse lo pseudonimo Iitsu (nuovamente uno), con il quale esprimeva chiaramente la sua volontà di cercare e perseguire una nuova svolta artistica. Il “periodo Iitsu” (1820-1835 circa) è noto soprattutto per alcune serie di stampe tra le più famose dell’intera produzione artistica di Hokusai. Nella prima fase di questo periodo riprese le collaborazioni con i circoli letterari privati. Nel 1821 realizzò la splendida serie di “surimono” in formato quadrato (“shikishi”), dal titolo Conchiglie al paragone [dell’era] Genroku (Genroku kasen kai awase) per gli affiliati al club Yomo di poesie “kyoˉ ka”, che vollero illustrare alcuni componimenti di carattere comico ideati per il Capodanno (“shunkyoˉ kyoˉ ka”). Un anno dopo Hokusai mise a punto La serie dei cavalli (Umazukushi), ancora una volta per il circolo Yomo, scegliendo il tema del cavallo, segno zodiacale dell’anno che stava per iniziare. Nel 1826 Hokusai ricevette la commissione, da parte del medico tedesco Philipp Franz von Siebold e del capitano olandese De Sturler – giunti a Edo da Nagasaki in missione diplomatica ufficiale –, di alcuni acquerelli, quaranta dei quali oggi suddivisi tra il Museo etnologico di Leida e la Bibliothèque Nationale di Parigi. Le composizioni sono costruite secondo la prospettiva europea, e diffuso è l’utilizzo delle tecniche del chiaroscuro e dell’ombreggiatura, assenti nel linguaggio tradizionale della grafica giapponese. Inoltre analisi di laboratorio hanno confermato che Hokusai si è servito di carta, pennelli, colori e matite di provenienza olandese. I primi anni del quarto decennio dell’Ottocento sono sicuramente i più importanti nella lunga e prolifica carriera di Hokusai. Nel 1830, infatti, Hokusai iniziò a pubblicare Le trentasei vedute del monte Fuji (Fugaku sanjuˉ rokkei) per conto dell’editore di Edo, Eijudoˉ . Il progetto originario prevedeva che Hokusai producesse trentasei paesaggi accomunati dalla presenza del monte Fuji; inizialmente le stampe sarebbero state realizzate con il solo ausilio del colore blu di Prussia, da poco entrato a far parte della tavolozza degli stampatori giapponesi che lo avevano importato dall’Europa. Il grande successo con cui furono però accolte le prime opere spinse l’editore a optare per una più ricca policromia. Inoltre, col passare del tempo e l’aumentare delle vendite, il numero delle vedute superò le trentasei unità previste; nelle intenzioni di Eijudoˉ la serie poteva essere ampliata oltre le cento immagini, ma in realtà si fermò a quarantasei. La serie è il capolavoro più celebrato dell’artista giapponese, che riportò in auge il tema del paesaggio, in passato motivo preponderante dell’arte giapponese. Soprattutto La [grande] onda presso la costa di Kanagawa (Kanagawa oki namiura) è una raffigurazione ormai entrata nell’immaginario collettivo del mondo intero. In essa si sublima la potenza della natura alla quale deve sottostare l’essere umano, ma si enfatizza anche l’arte di un uomo (Hokusai), che riesce a dominare la natura attraverso un segno grafico aggressivo e maestoso, e la scelta di una colorazione elegante e non pervasiva. Hokusai, Pesca con torce nella provincia di Kai, dalla serie Mille immagini del mare (1833-1834); Parigi, Bibliothèque Nationale de France. Hokusai, Bananeto a Chuˉtoˉ , dalla serie Otto vedute delle isole Ryuˉkyuˉ (1833); New York, Metropolitan Museum of Art. Hokusai, Il poeta cinese Su Dongpo, dalla serie Specchio dei poeti giapponesi e cinesi (1833-1834); Boston, Museum of Fine Arts. Hokusai, La cascata di Amida molto in profondità sulla strada di Kisoˉ , dalla serie Viaggio tra le cascate giapponesi (1833-1834); Honolulu, Honolulu Museum of Art. Così tutte le altre quarantacinque composizioni della serie del monte Fuji mostrano il livello eccelso raggiunto dal maestro: capacità inimitabili di sintesi, semplicità mai banale, sentimento e suggestione, come se egli riuscisse a compenetrare le vedute con la propria interiorità. Il cono perfetto del monte Fuji domina naturalmente le composizioni, seppure con dimensioni diverse: tutt’intorno s’irradia la vita, e gli spazi tra il mondo della natura e quello degli uomini si riducono per diventare tutt’uno, come uno svolgersi di esperienze filtrato attraverso la fantasia di un grande artista. Sono presenti gran parte delle caratteristiche dell’arte di Hokusai, già in precedenza sviluppate, evolutesi fino a raggiungere puri vertici di poesia, serenità ed elevazione spirituale. Del 1833 è la serie con le Otto vedute delle isole Ryuˉkyuˉ (Ryuˉkyuˉ hakkei), piccolo arcipelago a sud del Giappone, peraltro mai visitato dall’artista che si servì evidentemente di immagini altrui per illustrarlo con un certo carattere di “esotismo”. Quasi contemporanea (1833-1834) è anche la serie delle Mille immagini del mare (Chie no umi) che, a dispetto del titolo, si compone di soli dieci fogli in ognuno dei quali è raffigurato un aspetto della vita dei pescatori giapponesi. Essa segna un ritorno di Hokusai alla raffigurazione delle attività dei ceti medio-bassi. Con i dieci fogli della serie Specchio dei poeti giapponesi e cinesi (Shika shashinkyoˉ), il maestro riuscì a combinare la predilezione di quell’epoca per il paesaggio con il tema della letteratura, sia indigena che continentale. Queste stampe, concepite per un formato verticale lungo (cm 52 x 23 circa), sono da molti considerate come il vero capolavoro di Hokusai. Ognuna delle composizioni illustra un momento particolarmente significativo della vita artistica del poeta cui si riferisce, oppure trasmette attraverso l’immagine l’interpretazione di un verso poetico che ha reso famoso il letterato. Nella serie di otto stampe, pubblicata ancora tra il 1833 e il 1834, dal titolo Viaggio tra le cascate giapponesi (Shokoku toki meguri), le cascate riescono a evocare quel senso di solennità e di mistero che la tradizione giapponese di derivazione shintoista attribuiva ad alcuni fenomeni della natura. Nella serie delle undici stampe denominata Vedute insolite di famosi ponti giapponesi (Shokoku meikyoˉ kiran), del 1834, i ponti si inseriscono nella natura diventandone parte integrante, traghettando un’umanità variegata, quasi fossero la mediazione viva e pulsante tra la natura meravigliosa e il brulichio delle persone. Contemporaneamente a queste ultime serie paesaggistiche, Hokusai concepì due gruppi di dieci fogli raffiguranti fiori. Conosciuti genericamente con i nomi di Grandi fiori e Piccoli fiori per il diverso formato che li caratterizza, questi fogli costituiscono un altro importante traguardo nell’arte di Hokusai, che riuscì con grande maestria a infondere la vita ai fiori, di solito accompagnati da un insetto o da un uccello. Conforme allo spirito buddista, Hokusai diede ai fiori un’anima, la stessa trasfusa negli esseri umani, negli animali, nei fenomeni della natura, in tutto ciò che scaturiva dal suo pennello. Hokusai, Il ponte di barche a Sano, Koˉzuke antica veduta, dalla serie Vedute insolite di famosi ponti giapponesi (1834 circa); New York, Metropolitan Museum of Art. Ancora una volta il paesaggio è l’elemento dominante insieme alle attività umane; si aggiunge inoltre lo studio delle costruzioni architettoniche, i ponti. Hokusai, Iris e cavalletta, dalla serie Grandi fiori (1833-1834); Parigi, Musée national des arts asiatiques-Guimet. Hokusai, Martin pescatore, iris e garofani, dalla serie Piccoli fiori (1834); Honolulu, Honolulu Museum of Art. [Il poeta] Minamoto no Muneyuki del secondo rango, dalla serie Cento poesie per cento poeti in racconti illustrati della balia (1835-1836); Londra, British Museum. L’anno 1834, quando Hokusai aveva ormai raggiunto la venerabile età di settantacinque anni, segna la fine del “periodo Iitsu” e contemporaneamente l’inizio di una nuova fase della carriera di Hokusai: egli perciò assunse lo pseudonimo Manji di derivazione buddista che l’avrebbe accompagnato per tutto il resto della sua vita. L’avvio di questo nuovo periodo coincise con la pubblicazione del primo dei tre volumi (il secondo e il terzo saranno pubblicati rispettivamente nel 1835 e nel 1849) dell’opera Cento vedute del monte Fuji (Fugaku hyakkei). I primi due album delle Cento vedute (il terzo è di attribuzione dubbia) sono dei veri e propri capolavori, non solo per lo straordinario lavoro grafico e creativo di Hokusai, ma anche per la perfezione tecnica della stampa che, pur condotta con il solo ausilio del nero e di vari toni di grigio, assume tonalità cromatiche di assoluta bellezza tanto da sembrare in certi casi policroma. Nonostante l’età avanzata e la grande popolarità raggiunta, negli ultimi quindici anni di vita Hokusai condusse una vita miserevole in compagnia solo dell’amata figlia, a causa della grave crisi economica che colpì il Giappone in quel periodo. Nel 1835-1836 furono messe in vendita le stampe della nuova serie Cento poesie per cento poeti in racconti illustrati dalla balia (Hyakunin isshu uba ga etoki) da ritenersi l’ultima fatica del maestro nel campo delle stampe policrome, mai pubblicata interamente. Conclusasi l’esperienza con le stampe policrome, Hokusai continuò a produrre opere per l’editoria, nonostante il drastico diradarsi delle commissioni. Nel 1839 un grave incendio scoppiato a Edo coinvolse anche la sua abitazione: Hokusai riuscì a salvare solo i propri pennelli, la cosa cui teneva sicuramente di più, unici strumenti che gli avrebbero permesso di continuare a creare, sperimentare, dipingere. Hokusai, Scimmia addestrata che mangia pesche rubate (1848). Tra gli ottanta e i novant’anni Hokusai si dedicò quasi esclusivamente alla pittura. Tra questi suoi dipinti finali sono la Scimmia addestrata che mangia pesche rubate, firmato «pennello di Manji il vecchio pazzo per la pittura all’età di novanta anni», e la Vecchia tigre nella neve, pure dotata della stessa iscrizione con la specifica che fu eseguita nel mese della tigre, cioè circa tre mesi prima che la morte lo cogliesse nel diciottesimo giorno del quarto mese (10 maggio) del 1849. Prima di lasciare il mondo realizzò un’ultima opera per la stampa. Si tratta del Libro illustrato sull’uso del colore (Ehon saishikitsuˉ ). Progettato in tre volumi, solo i primi due furono pubblicati nel 1848. Tra le illustrazioni è notissima quella in cui Hokusai raffigurò sé stesso più giovane alle prese con cinque pennelli contemporaneamente, tra le dita delle mani e dei piedi e in bocca. Nessuna immagine migliore poteva essere concepita da un artista che aveva dedicato la sua esistenza al tentativo d’infondere la vita alle proprie opere, tanto che nella prefazione del Libro scrisse: «Compiuti i novant’anni, spero di essere in grado di rinnovare il mio stile pittorico e dopo i cento di rivoluzionare questa via». Hokusai, frontespizio del Libro illustrato sull’uso del colore (1848); Londra, British Museum.

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Arte Ukiyo-e: Capolavori di Utamaro, Hokusai e Hiroshige

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