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IL RITRATTO ITALIANO NEL RINASCIMENTO

Ottobre 2024

ART E DOSSIER N. 424

VEDOVA

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ROMANINO

Il Giappone del XVII al XIX secolo è stato fortemente influenzato dal movimento artistico degli Ukiyo-e, che esplorava la cultura e i costumi del paese attraverso immagini incantevoli. Questo genere grafico, noto anche come "mondo fluttuante", era caratterizzato da una semplicità e una raffinatezza senza pari. Tra i grandi artisti di questo movimento ci sono Utamaro, Hokusai e Hiroshige, che&nbsp;hanno ormai raggiunto una popolarità pervasiva in tutto il mondo. Libri, mostre, stampe hanno contribuito a far diventare questi artisti un fenomeno di costume. Il presente dossier, scritto da uno specialista di arte orientale, racconta stile, contesto culturale e capolavori dei protagonisti di un genere grafico che ha segnato la storia artistica del Giappone tra il XVII e il XIX secolo.&nbsp;

Immagini del mondo fluttuante

Utamaro, il pittore delle donne

Hokusai, il genio dell’Ukiyo-e

Hiroshige, il maestro del paesaggio

Quadro cronologico

Bibliografia

Versione cartacea

HIROSHIGE, IL MAESTRO DEL PAESAGGIO «Dietro di me, ad Edo, lascio il mio pennello. In cammino per un nuovo viaggio, ammirerò tutte le celebri vedute del Paradiso d’occidente». n punto di morte, il sesto giorno del nono mese (12 ottobre) del 1858, Utagawa Hiroshige (1797- 1858) compose questi versi, nei quali è racchiusa, in estrema sintesi, tutta la poetica della sua vita artistica. Al tema del paesaggio, infatti, l’artista dedicò gran parte della sua carriera, pubblicando numerose composizioni di successo che ne decreteranno una fama imperitura, in Giappone e in Europa. I Hiroshige fu maestro nella resa di vedute in cui gli agenti atmosferici pervadono lo scenario, riuscendo – come nessun altro tra i protagonisti dell’Ukiyo-e – a costruire immagini in cui la mutevolezza delle stagioni della natura si impone. La sua arte è segnata da un grande sentimento poetico, dall’inimitabile capacità nel tratteggiare l’atmosfera di un luogo, di fermare quell’attimo, irripetibile, nel quale la natura manifesta tutta la propria essenza. Le creazioni paesaggistiche di Hiroshige interpretano in maniera magistrale, attraverso un linguaggio figurato alla portata di un vasto pubblico, gli insegnamenti tradizionali dello shintoismo, la dottrina religiosa autoctona del Giappone, secondo la quale l’uomo, gli elementi della natura e perfino le divinità sono manifestazioni di un unico principio che, dividendosi, si trasfonde nel tutto e nell’uno con analoga intensità. Hiroshige, Susaki e la piana di Juˉmantsubo presso Fukagawa, dalla serie Cento vedute celebri di Edo (1856-1858); New York, Metropolitan Museum of Art. Hiroshige, Carpa nella corrente (1836-1838); Honolulu, Honolulu Museum of Art. Utagawa Kunisada, Ritratto di Hiroshige (1858); New York, Metropolitan Museum of Art. Hiroshige, Gufo su un ramo di pino sopra una falce di luna (1832 circa); Providence, Rhode Island School of Design Museum. La critica mette in relazione con Hiroshige la pubblicazione di circa cinquemila stampe, oltre alle illustrazioni per più di centoventi libri: ognuna delle composizioni di maggior successo fu riprodotta in migliaia di esemplari, in alcuni casi anche ventimila, per riuscire a far fronte alle richieste del mercato. Le sue stampe erano nella maggior parte dei casi vendute a prezzi molto contenuti quasi fossero dei souvenir. Le notizie riguardanti l’infanzia, l’educazione artistica giovanile e i primi passi nel mondo dell’Ukiyo-e compiuti da Hiroshige rimangono a tutt’oggi abbastanza frammentari. La data della sua nascita, il 1797, si desume da una notizia riportata nel ritratto commemorativo del maestro realizzato da Utagawa Kunisada, alias Toyokuni III, nel 1858: la lunga iscrizione, firmata da Tenmei Ryoˉ jin, riferisce che Hiroshige morì all’età di sessantadue anni. Suo padre, di origini nobili – essendo nato nella famiglia Tanaka che aveva servito come samurai di basso rango (“doˉ shin”) il potente clan dei Tsugaru –, faceva l’ufficiale dei pompieri al servizio dello “shoˉgun” per il distretto di Yayosu nelle vicinanze del castello di Edo, impiego che lo stesso Hiroshige cominciò a svolgere dal 1810 circa, poco dopo la morte dei genitori. Il giovane Hiroshige poté apprendere i principi fondamentali dell’arte grazie alle lezioni ricevute da Okajima Rinsai, un pittore dilettante, specializzato nello stile tradizionale della scuola Kanoˉ ; in seguito ebbe modo di studiare lo stile cinese della scuola Nanga e il naturalismo della scuola Shijoˉ di Kyoto. Presumibilmente, verso i tredici-quattordici anni Hiroshige entrò come apprendista del disegno nello studio di Toyohiro (1773-1828), fratello del più noto Toyokuni e allievo dal 1782 di Toyoharu, fondatore della scuola Utagawa. Da Toyohiro ricevette anche il nome d’arte con cui è noto universalmente, oltre al permesso di poter utilizzare il cognome Utagawa. Il periodo iniziale della sua carriera, dal 1815 al 1830 circa, fu povero di soddisfazioni, sia artistiche sia economiche, tanto che Hiroshige continuò a esercitare il mestiere di pompiere. Tuttavia sembra che già nel 1819 pubblicasse una prima stampa singola, alla quale seguirono opere raffiguranti belle donne (“bijin”), attori “kabuki” e famosi guerrieri della storia giapponese, eseguiti nello stile tipico della scuola Utagawa, oltre a illustrazioni per libri – soprattutto antologie di poesie “kyoˉ ka” – per gran parte commissionate dall’editore Iwatoya Kisaburoˉ . Dopo la morte di Toyohiro e di Kisaburoˉ , intorno al 1830 cominciò a realizzare quelle composizioni paesaggistiche che avrebbero fatto la sua fortuna. Quasi a sottolineare questa svolta tematica e stilistica, cambiò il suo primo nome d’arte (“goˉ ”) da Ichiyuˉ sai a Ichiryuˉ sai, che lo accompagnerà per gran parte della sua carriera, anche se spesso utilizzerà quello di Ryuˉ sai. Hiroshige, Libellula e begonia (1832 circa); Providence, Rhode Island School of Design Museum. Nel corso degli anni Trenta, Hirohige creò alcune xilografie che riscossero notevole successo dedicate al genere delle “kachoˉ -e”, le “immagini di fiori e uccelli”, opere in cui, accanto all’elemento naturale, compariva solitamente anche una poesia. Hiroshige, La luna vista attraverso le foglie d’acero, della serie Tra le ventotto visioni della luna (1832 circa); Minneapolis, Minneapolis Institute of Arts. L’opera è pervasa da un senso di malinconica contemplazione del trascorrere inevitabile del tempo, richiamata anche dai versi del poeta cinese Bai Juyi (772-846), che scendono dall’alto come le foglie: «Non sopporto che le rosse foglie d’autunno / cadano sulla testa coperta di verde muschio / né che il gelido vento di sera / avvolga il cielo». Hiroshige, Luna piena su Takanawa, dalla serie Vedute famose della Capitale orientale (1831-1832 circa); New York, Metropolitan Museum of Art. Le serie dedicate a vedute di Edo, la “capitale orientale” (oggi Tokyo), e dei suoi dintorni erano destinate a un pubblico eterogeneo che le acquistava a ricordo del soggiorno nella capitale, con le stesse intenzioni con cui oggi si comprano le cartoline. Hiroshige, Kanbara. Neve di sera, dalla serie Tra le cinquantatré stazioni di posta del Toˉ kaidoˉ (1832-1834); Providence, Rhode Island School of Design Museum. Oltre che al paesaggio, Hiroshige dedicò una certa attenzione alle “kachoˉ -e”, le “immagini di fiori e uccelli”, genere sviluppatosi sin dagli inizi del Settecento nel quale, abbiamo visto, si erano già cimentati sia Utamaro che Hokusai con alcune opere di straordinaria qualità. Dal 1832 circa, fu autore di circa duecento “kachoˉ -e”, gran parte delle quali nel formato lungo e stretto (“chuˉtanzaku”, cm 37 x 13 circa, oppure “oˉ tanzaku”, cm 37 x 18 circa) che meglio si prestava ad accogliere questo tipo di composizioni; in ognuno di questi fogli compare solitamente una poesia, sebbene per gran parte fossero destinati alla vendita, non realizzati perciò su richiesta di privati cittadini o club di letteratura. Si può inserire in questo contesto anche il gruppo di dieci o undici stampe con nature morte di pesci e piante realizzate nel 1832-1834. Il genere della “natura morta” non appartiene alla tradizione nipponica: gli artisti giapponesi, e quindi lo stesso Hiroshige, vi si cimentarono in seguito alla conoscenza della pittura europea. Pur sperimentando generi diversi, nei primi anni del quarto decennio dell’Ottocento Hiroshige continuò a realizzare soprattutto composizioni paesaggistiche. Dimostrò di guardare all’opera dell’allora più noto e anziano collega Hokusai, per esempio nelle stampe della serie Vedute famose della Capitale orientale (Toˉto meisho) del 1831-1832, dedicate alla descrizione di luoghi famosi di Edo, a cui ne seguì un’altra, dal 1832, con lo stesso titolo e di analogo tema. Queste due serie raffiguranti immagini di Edo, soprattutto la seconda, contribuiranno in maniera sostanziale a fare di Hiroshige l’artista che meglio ha saputo illustrare gli scorci e la vita della capitale. Dello stesso periodo, pubblicata all’incirca nel 1832, la serie Tra le ventotto visioni della luna (Tsuki jijuˉ hakkei no uchi) si distingue per l’utilizzo del formato stretto e verticale (“oˉ tanzaku”, cm 37 x 17 circa). A dispetto del progetto originario, solo due composizioni furono stampate, La luna vista attraverso le foglie d’acero (Hakoshi no tsuki) e Luna crescente (Yumiharizuki): entrambe già mostrano la capacità di Hiroshige di racchiudere immagini di forte suggestione all’interno di spazi contenuti, una certa abilità nel trasfondere di luce diffusa la composizione, una scelta coloristica raffinata che rende appieno l’emozione dell’evento atmosferico e la delicatezza dell’ambientazione. Hiroshige, Nihonbashi. Scena mattutina, dalla serie Tra le cinquantatré stazioni di posta del Toˉ kaidoˉ (1832-1834); New Yok, Metropolitan Museum of Art. Hiroshige, Inverno, dalla serie Famose vedute di Edo nelle quattro stagioni (1834- 1835 circa); New York, Metropolitan Museum of Art. Hiroshige, Veduta estiva dell’isola di Tsukudajima, dalla serie Famose vedute della Capitale orientale (1837-1838 circa); Londra, British Museum. Hiroshige, Agematsu, dalla serie Tra le sessantanove stazioni di posta del Kisokaidoˉ (1837-1843); Minneapolis, Minneapolis Institute of Art. Lasciato il mestiere di ufficiale dei pompieri nel 1832, Hiroshige vede il pieno successo arrivare con la serie Tra le cinquantatré stazioni di posta del Toˉkaidoˉ (Toˉkaidoˉ gojuˉ santsugi no uchi). Essa si compone di cinquantacinque fogli comprendendo, oltre alle cinquantatré stazioni convenzionali, una stampa raffigurante Nihonbashi, il “ponte del Giappone”, a Edo, e un’altra dedicata al ponte sul fiume Kamo, a Kyoto. Una tradizione vuole che Hiroshige abbia iniziato a pubblicare i fogli della serie proprio al ritorno da un viaggio, compiuto nel 1832 lungo questa strada. Undici fogli furono il frutto della cooperazione dei due editori, Takenouchi Magohachi e Tsuruya Kiemon, mentre le rimanenti quarantaquattro stampe della serie furono pubblicate dal solo Takenouchi della casa Hoˉ eidoˉ . L’impresa fu completata sicuramente entro il 1834, anno in cui Yomo Ryuˉ sui ripubblicò l’intero lavoro in due album. Lo splendido paesaggio giapponese accompagna le varie combriccole umane in viaggio, tra monti, vallate, fiumi, il mare, di notte oppure di giorno, nella dolce prospettiva di superare, l’una dopo l’altra, le cinquantatré stazioni di posta in cui era suddiviso il percorso (circa cinquecento chilometri) tra le due capitali – l’una, Edo, rappresentativa del nuovo Giappone, l’altra, Kyoto, da sempre depositaria della cultura tradizionale del paese – lungo il Toˉkaidoˉ , letteralmente “la strada del Mare orientale”. Questi siti – presso i quali i viandanti potevano riposarsi e ristorarsi – erano tutti ben conosciuti dai giapponesi, anche da coloro i quali non si erano mai spinti a percorrere il Toˉkaidoˉ grazie a romanzi o guide illustrate. A seguito del successo ottenuto, l’abilità di Hiroshige divenne proverbiale. In seguito si sarebbe più volte dedicato sia a Edo e ai suoi dintorni, sia al Toˉkaidoˉ . Nella serie delle Famose vedute di Edo nelle quattro stagioni (Shiki Koˉtoˉ meisho), pubblicata dall’editore Kawaguchiya Shoˉzoˉ tra il 1834 e il 1835, Hiroshige sperimentò con successo, anche nel paesaggio, l’uso del formato lungo e stretto (“chuˉtanzakuban”, cm 37 x 13 circa) già utilizzato per le stampe con “fiori e uccelli”, che in più occasioni si rivelerà congeniale all’espressione della sua arte. Altre serie pubblicate negli anni Trenta dell’Ottocento raffigurarono luoghi diversi da Edo – per gran parte a lui sconosciuti – soprattutto per compiacere gli editori di Edo che volevano così tentare di conquistare anche altri mercati, specificatamente Kyoto e Osaka. Hiroshige, Ashida, dalla serie Tra le sessantanove stazioni di posta del Kisokaidoˉ (1837-1843); New York, Metropolitan Museum of Art. Hiroshige, Il ponte della scimmia a Kai (1853), dalla serie Vedute di luoghi celebri delle sessanta ed oltre province (1853-1856); Honolulu, Honolulu Museum of Art. Nella luce autunnale del mattino, un gruppo di persone, tra cui una donna con un bambino sulla schiena, attraversa il ponte della Scimmia, mentre le luci dell’alba colorano ancora di arancione il cielo. Il ponte, che collegava i due lati di una profonda gola nella provincia di Kai, oggi Yamanashi, era un soggetto caro a Hiroshige, che sembra si fosse recato nel 1823 a vederlo dal vero. Hiroshige, Veduta notturna di Saruwakachoˉ (1856), dalla serie Cento vedute celebri di Edo (1856-1858); Honolulu, Honolulu Museum of Art. Hiroshige, Acquazzone improvviso su Ohashi ad Atake, dalla serie Cento vedute celebri di Edo (1856-1858); New York, Metropolitan Museum of Art. Nel 1887 Vincent van Gogh, nella cui collezione di stampe dell’Ukiyo-e non mancavano numerose opere di Hiroshige, copiò con cura meticolosa questa celebre xilografia del paesaggista giapponese in un dipinto a olio. Le composizioni della serie Tra le sessantanove stazioni di posta del Kisokaidoˉ (Kisokaidoˉ rokujuˉkyuˉ tsugi no uchi), un altro capolavoro dell’artista, furono edite tra il 1837 e il 1843. La strada del Kisokaidoˉ costituiva l’alternativa più comune al Toˉkaidoˉ per recarsi da Edo a Kyoto e viceversa. Rispetto alla seconda, la prima era meno frequentata a scopi turistici, poiché il percorso si snodava tra regioni interne e montagnose che presentavano quindi maggiori difficoltà naturali da superare per il viandante, pur offrendo stimoli estetici di grande impatto. Nella fase iniziale di questo progetto gli editori Takenouchi Magohachi (Hoˉ eidoˉ ) e Iseya Rihei (Kinjudoˉ ) affidarono l’incarico a Keisai Eisen che vi si cimentò a partire dal 1835 circa, producendo ventiquattro paesaggi in uno stile influenzato dal più noto Hokusai. Forse non soddisfatti dalle vendite delle opere di Eisen, gli editori decisero quindi di affiancargli Hiroshige, che in breve ebbe campo libero. Questi produsse, nel corso dei circa sei anni in cui si occupò della serie, delle opere di grande fascino; tuttavia, nonostante la qualità di quest’opera fosse altissima, essa non ottenne un grande successo di vendite. D’altronde la raccolta fu pubblicata proprio negli anni in cui nel paese alla crisi economica si aggiunse il dramma della carestia acuitasi tra il 1836 e il 1838. Hiroshige, come Hokusai, dovette in quegli anni tragici sperimentare l’indigenza, nonostante continuasse a percepire per tutta la sua vita una rendita quale eredità familiare; a queste condizioni economiche precarie si aggiunse, verso la fine del 1839, il dolore per la perdita della prima moglie; si sarebbe risposato solo nel 1847. La produzione degli anni Quaranta- Cinquanta fu vastissima. In questa fase il maestro dedicò una certa attenzione alla figura umana. Il tema delle beltà femminili venne quindi ripreso con una certa intensità a partire dall’era Koˉ ka (1844-1848), sia per accompagnare le vedute, sia come soggetto autonomo, nelle stampe e nei dipinti non destinati alla riproduzione seriale. In alcuni fogli Hiroshige si cimentò nuovamente con i ritratti degli attori “kabuki”; inoltre non mancarono diverse opere di argomento storico e probabilmente alcune di argomento erotico (“shunga”). Tuttavia, ancora negli ultimi anni della sua vita Hiroshige si mise in evidenza soprattutto per la sua abilità nel concepire composizioni paesaggistiche. Le sue vedute compaiono anche in alcuni libri destinati alla vendita, alcuni dei quali caratterizzati dalla contemporanea presenza di immagini e componimenti poetici. Hiroshige, Monti e fiumi lungo la strada Kiso (1857); New York, Metropolitan Museum of Art. Hiroshige è “pittore della neve”. L’imponente massa bianca si staglia a occupare gran parte dell’ampia superficie del trittico, mentre piccole figure umane attraversano due ponticelli sul corso d’acqua, uno a destra e l’altro, all’opposto, a sinistra. Il tema del paesaggio fu però sviluppato soprattutto sotto forma di fogli sciolti, solitamente raccolti in serie. Nell’ambito della produzione paesaggistica dell’ultimo ventennio della carriera di Hiroshige, meritano una particolare attenzione tre lavori: la serie con le Vedute di luoghi celebri nelle oltre sessanta province (Rokujuˉyoshuˉ meisho zue) del 1853-1856, composta da sessantanove fogli e da un catalogo descrittivo compilato da Gengyoˉ Baisotei (1817-1880); le Cento vedute celebri di Edo (Meisho Edo hyakkei), serie costituita da centoventi fogli singoli – di cui quattro di Hiroshige II e una tavola dei contenuti ideata dal già citato Baisotei – messi in commercio dall’editore Uoya Eikichi tra il 1856 e il 1858; le Trentasei vedute del monte Fuji (Fugaku sanjuˉ rokkei), pubblicate da Tsutaya Kichizoˉ nel 1858, esplicitamente ispirate alle celebri composizioni nell’omonima serie di Hokusai del 1830-1832 circa. Per tutte le composizioni di queste tre serie, come per altre realizzate nello stesso periodo, Hiroshige ha scelto una disposizione in verticale: la prospettiva, almeno per i luoghi esterni alla città, è tanto ampia da consentire allo spettatore di penetrare profondamente gli scorci, riuscendo così a immergersi nelle atmosfere poetiche ideate dal maestro. Nelle stampe con vedute di Edo e dei suoi dintorni, l’artista ha invece prestato una maggiore cura nella descrizione delle attività dell’uomo: i ponti, le barche, le vie cittadine pullulano di un’umanità variegata, perfettamente a proprio agio nelle varie ambientazioni; la neve, la pioggia, gli alberi in fiore, il cielo stellato, il blu delle acque del fiume Sumida striato dai riflessi della luna e delle luci dell’uomo. Poco prima di morire – nel sesto giorno del nono mese del 1858, come già detto, probabilmente a causa del colera – Hiroshige pubblica tre meravigliosi trittici paesaggistici, insieme noti come la serie Neve, luna, fiori. In particolare il terzo, intitolato Monti e fiumi lungo la strada Kiso (Kisoji no sansen), si caratterizza per un’ampiezza compositiva degna dei maggiori paesaggisti cinesi e giapponesi del passato, per una straordinaria enfasi nel trattamento degli effetti di luminescenza naturale, per un diffuso e pervasivo senso poetico. In questo che può, per certi versi, essere considerato il suo testamento artistico, Hiroshige ha tuttavia scelto di ridurre al minimo la presenza della figura umana. Dopo una vita spesa alla ricerca dell’osmosi tra tutti gli elementi della natura, uomo e sue creazioni comprese, Hiroshige sembra aver voluto elevare se stesso nel punto più alto della visione, invitando da questa posizione privilegiata il suo pubblico, di allora e di oggi, ad accompagnarlo lungo il fantastico viaggio della vita. Hiroshige, Il monte Fuji sulla sinistra sulla via del Toˉkaidoˉ , dalla serie Trentasei vedute del monte Fuji (1858); Genova, Museo d’arte orientale Edoardo Chiossone.

Esplora il dossier sull'arte Ukiyo-e del Giappone dal XVII al XIX secolo: stile, contesto e capolavori di Utamaro, Hokusai e Hiroshige.

Arte Ukiyo-e: Capolavori di Utamaro, Hokusai e Hiroshige

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