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IL RITRATTO ITALIANO NEL RINASCIMENTO

Ottobre 2024

ART E DOSSIER N. 424

VEDOVA

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ROMANINO

Il Giappone del XVII al XIX secolo è stato fortemente influenzato dal movimento artistico degli Ukiyo-e, che esplorava la cultura e i costumi del paese attraverso immagini incantevoli. Questo genere grafico, noto anche come "mondo fluttuante", era caratterizzato da una semplicità e una raffinatezza senza pari. Tra i grandi artisti di questo movimento ci sono Utamaro, Hokusai e Hiroshige, che&nbsp;hanno ormai raggiunto una popolarità pervasiva in tutto il mondo. Libri, mostre, stampe hanno contribuito a far diventare questi artisti un fenomeno di costume. Il presente dossier, scritto da uno specialista di arte orientale, racconta stile, contesto culturale e capolavori dei protagonisti di un genere grafico che ha segnato la storia artistica del Giappone tra il XVII e il XIX secolo.&nbsp;

Immagini del mondo fluttuante

Utamaro, il pittore delle donne

Hokusai, il genio dell’Ukiyo-e

Hiroshige, il maestro del paesaggio

Quadro cronologico

Bibliografia

Versione cartacea

IMMAGINI DEL MONDO FLUTTUANTE Per molti anni le “immagini del mondo fluttuante” (traduzione letterale di “Ukiyo-e”) hanno simboleggiato per gli occidentali l’arte giapponese nella sua totalità. e donne di Utamaro, la grande versatilità di Hokusai e i paesaggi melanconici di Hiroshige, soprattutto, hanno da sempre affascinato gli estimatori d’arte europei e statunitensi, fin da quando, verso la metà dell’Ottocento, le opere di questi autori cominciarono a essere conosciute oltre i confini del Giappone. Ma nonostante Utamaro, Hokusai e Hiroshige rimangano a tutt’oggi gli artisti giapponesi più noti, essi furono protagonisti di uno solo dei momenti, in verità tra i più fulgidi, nell’intera storia del genere delle “immagini del mondo fluttuante”. L Durante il cosiddetto “periodo Tokugawa” (1603-1867) il termine “ukiyo” – usato originariamente in ambito buddista con connotazioni negative sulla transitorietà della vita – era utilizzato dai giapponesi per mettere in evidenza il carattere effimero dell’esistenza umana e, contemporaneamente, la volontà di immergersi quanto più possibile nel godimento dei piaceri terreni. L’“Ukiyo-e” (“e” si può tradurre con “immagini”) è quindi l’espressione grafica di questa inedita mentalità, di un nuovo stile di vita. Esso fu un fenomeno che interessò e coinvolse in particolar modo gli abitanti delle più grandi città del Giappone, soprattutto Edo (l’attuale Tokyo), avendo dei riflessi di minore rilievo in altri importanti agglomerati urbani, come la vecchia capitale Kyoto e la città portuale di Osaka. Sorta all’inizio del Seicento, Edo era a tutti gli effetti una creatura del regime militare (“bakufu”, governo della tenda) degli shogun (“shoˉgun”; signori delle province) Tokugawa, nella quale si concentrarono pressoché tutte le manifestazioni dei grandi cambiamenti sociali e culturali avvenuti tra il XVII e il XIX secolo. Utagawa Kunisada, L’ora della pecora, ottava ora del giorno (1818-1820); Genova, Museo d’arte orientale Edoardo Chiossone. Hishikawa Moronobu, doppia pagina dal volume Guida all’amore nello Yoshiwara (1678); Parigi, Bibliothèque Nationale de France. Hishikawa Moronobu, Beltà femminile (1690 circa); Milano, Centro di ricerca Gianfranco Ferré. Suzuki Harunobu, Aiwara Narihira (1768-1769); San Francisco, Asian Art Museum. Fin dalla sua nascita, Edo fu destinata a fungere da sede del neonato governo: il primo shogun Tokugawa, Ieyasu (1542- 1616), e i suoi eredi traghettarono il Giappone verso un lungo periodo di prosperità, stabilità politica e sociale, condizioni ottenute grazie a una totale autosufficienza economica in un periodo di isolamento durato oltre duecentocinquant’anni. Al rapido sviluppo della città di Edo contribuì soprattutto l’efficace sistema di controllo dei feudatari (“daimyoˉ ”) del paese che col loro seguito erano costretti dallo shogunato a trascorrere nella nuova capitale un certo periodo di tempo. Ingabbiata così la classe più pericolosa per la stabilità, il governo istituì una ferrea suddivisione tra le tradizionali classi sociali, sottoposte a una specifica legislazione di stampo confuciano. Di questa situazione seppe approfittare la neonata borghesia cittadina (“choˉ nin”), costituita prevalentemente da artigiani e mercanti: liberi dalle rigide norme che assillavano gli appartenenti alle altre classi, i ricchi mercanti poterono soddisfare le loro passioni e la loro voglia di divertimento. Così nella città di Edo sorse a questo scopo lo Yoshiwara, un quartiere in cui si concentrarono le attività destinate allo svago degli adulti, come il teatro “kabuki” (letteralmente “arte del canto e della danza”), il teatro delle marionette (“bunraku” o “ningyoˉ joˉ ruri”) e le “case da tè”, nelle quali in realtà si esercitava la prostituzione. Per la sua costituzione si prese a modello il quartiere Shimabara di Kyoto, mentre simili zone franche sorgevano in gran parte delle maggiori città del paese, come lo Shinmachi a Osaka. I pittori dell’Ukiyo-e si dedicarono a raffigurare il nuovo mondo dello Yoshiwara, il quartiere “a luci rosse” di Edo, in tutte le sue più variegate connotazioni. Soprattutto essi si concentrarono su alcuni dei più noti personaggi che svolgevano la propria attività all’interno del quartiere dei divertimenti: le bellezze femminili, gli attori di teatro e in misura minore i lottatori di “sumoˉ ”, non tralasciando tuttavia temi più tradizionali come gli eroi nazionali, le divinità buddiste e shintoiste, i personaggi della letteratura, sia cinese che giapponese. In seguito, nel XIX secolo, essi si confronteranno anche con temi diversi e non particolarmente legati ai divertimenti dello Yoshiwara, come il paesaggio, i fiori e gli uccelli. Una menzione a parte meritano i “surimono”, biglietti augurali non messi in vendita ma scambiati di solito in particolari occasioni, come per il Capodanno, anche sotto forma di calendari illustrati (“egoyomi”). Rispetto alle stampe sciolte (“ichimai-e”) e ai libri illustrati (“hanbon”), i “surimono” – realizzati su commissione di facoltosi amatori privati – si caratterizzavano per le minori dimensioni e, soprattutto, per una maggiore qualità della carta e della lavorazione. Okumura Masanobu, Immagine prospettica del palcoscenico durante uno spettacolo (1743); Cleveland, Cleveland Museum of Art. Le “immagini prospettiche” (“uki-e”) di Masanobu raffiguranti interni di teatri presentano in un’unica scena il pubblico e gli attori, nel momento in cui questi ultimi attraversavano l’“hanamichi”, la lunga piattaforma rialzata che dalla platea immette direttamente sul palcoscenico di ogni teatro “kabuki”. Torii Kiyonaga, Danzatrice con nacchere di conchiglie ai piedi, dalla serie Una presentazione affascinante di tre piccoli cavalli (1784 circa); Cleveland, Cleveland Museum of Art. Choˉ bunsai Eishi, Yang Guifei (1800-1820 circa); Londra, British Museum. Kikugawa Eizan, Raccolta moderna di bambini come tesori (1809); Genova, Museo d’arte orientale Edoardo Chiossone. L’utilizzo della tecnica seriale della stampa xilografica, nota ai giapponesi fin dall’VIII secolo, garantì alle immagini dell’Ukiyo-e una grande popolarità e una diffusione capillare. L’inizio del fortunato connubio tra l’incisione in legno e l’Ukiyo-e si situa intorno al 1670, dopo che per alcuni decenni quest’ultimo si era sviluppato come genere pittorico di tipo tradizionale, su carta o su seta. Da allora, il successo di una stampa sarebbe dipeso quindi anche dal “feeling” che si instaurava tra il pittore-grafico che ideava la composizione e metteva a punto il disegno finale (“hanshita-e”), gli incisori e gli stampatori che la riproducevano in serie, e l’editore che seguiva l’intero processo e si occupava di diffonderla. Per tutta la storia dell’Ukiyo-e, gli artisti si impegnarono soprattutto in composizioni da riprodurre in serie, molto più remunerative, non solo per i pittori ma anche per gli editori. Questi promuovevano anche la pubblicazione di guide ai principali intrattenimenti disponibili in città e romanzi brevi illustrati (“ukiyo-zoˉ shi”) con temi ispirati alla vita dei cittadini, in particolare delle cortigiane: il più noto tra gli scrittori specializzati in questo genere fu Ihara Saikaku (1642-1693). Il vero fondatore dell’Ukiyo-e può essere considerato Hishikawa Kichibei (attivo tra il 1672 e il 1694), più noto con l’appellativo di Moronobu che assunse a partire dal 1678. Nonostante si dedicasse con successo anche alla pittura su paravento e su rotolo, il suo merito maggiore fu quello di aver elaborato per primo una serie di composizioni per la stampa con matrici in legno. Le sue composizioni, riguardanti soprattutto lo Yoshiwara, sono delineate solo col nero sul fondo neutro della carta. Il primo a utilizzare polveri di mica per dare lucentezza agli sfondi sembra essere stato Okumura Masanobu (1686-1764), che sperimentò alcune nuove tecniche di stampa. Allo stesso Masanobu si può anche attribuire l’invenzione di un tipo di veduta in cui la prospettiva era resa secondo i principi dell’arte occidentale. Queste composizioni, conosciute come “uki-e” (immagini prospettiche), raffiguravano prevalentemente interni di teatri affollati di spettatori. Lo stile di Masanobu influenzò moltissimi artisti attivi a Edo nel XVIII secolo, tra cui Suzuki Harunobu (1725?-1770), la cui opera fu di fondamentale importanza per tutti i successivi sviluppi dell’Ukiyo-e. A Harunobu si attribuisce, infatti, la prima serie di stampe completamente policrome (“nishiki-e” – stampe a broccato –, a ricordare la ricchezza e sontuosità policroma dei tessuti) nelle quali i colori furono applicati con l’ausilio di diverse matrici in legno. Oltre alla ricchezza cromatica delle sue composizioni piaceva la scelta di raffigurare personaggi giovani, quasi adolescenti, dalle espressioni sognanti. Nel periodo tra la fine del XVIII e l’inizio del XIX secolo si sviluppò un particolare interesse nella rappresentazione della figura umana, nell’ambito dell’Ukiyo-e. Torii Kiyonaga (1752-1815), conosciuto soprattutto per le sue figure femminili, allungate e maestose, espressione di una bellezza statuaria, apparentemente statica ma elegante e aristocratica, concepì un prototipo femminile che in breve avrebbe soppiantato le minute figure ideate appena qualche anno prima da Harunobu. Nello stesso periodo era già attivo Choˉbunsai Eishi (1756-1829), anch’egli specializzato nella pittura con soggetti femminili: le sue figure slanciate si possono considerare le più “aristocratiche” nell’intera storia dell’Ukiyo-e. Toˉshuˉsai Sharaku, L’attore Tanimura Torazoˉ nel ruolo di Washizuka Happeiji (1794); Genova, Museo d’arte orientale Edoardo Chiossone. Utagawa Kunimasa, L’attore Ichikawa Ebizoˉ IV in un ruolo di “Shibaraku” (1796); Honolulu, Academy of Arts. Utagawa Kuniyoshi, I tre vassalli [di Yorimitsu] Shumenosuke Sakata no Kintoki, Usui no Sadamitsu, Genji no Tsuna e demoni (1861); Genova, Museo d’arte orientale Edoardo Chiossone. Utagawa Toyoharu, Veduta prospettica dei teatri nei quartieri Sakaichoˉ e Fukiyachoˉ a Edo nell’apertura notturna (1780 circa); New York, Metropolitan Museum of Art. Nel frattempo le composizioni di soggetto femminile di Kikugawa Eizan (1787-1867) e Keisai Eisen (1791-1848), caratterizzate dalla presenza di dame pesantemente truccate e sfarzosamente abbigliate, riflettevano il clima culturale nel quale il paese si era venuto a trovare dopo la promulgazione delle leggi suntuarie nell’ambito delle “riforme dell’era Kansei” (1789-1801), inasprite poi durante l’era Tenpoˉ (1830-1844), che ebbero importanti conseguenze economiche anche per l’editoria. Le rigide leggi di censura favorirono così una trasformazione che è prologo di un’imminente decadenza. Negli anni in cui Utamaro realizzava i suoi capolavori sul tema delle bellezze femminili, un artista si impose su tutti gli altri con i suoi ritratti di attori “kabuki”: Toˉshuˉ sai Sharaku, di cui vita e carriera rimangono un mistero. Pubblicò all’incirca centocinquanta stampe, tutte tra il 1794 e il 1795, da considerarsi capolavori assoluti dell’Ukiyo-e, con ritratti a mezzo busto (“oˉ kubi-e”) di incontenibile forza. I ritratti di attori “kabuki” costituirono il tema prediletto dai membri della scuola Utagawa, fondata da Toyoharu (1735-1814), che si specializzò anche nella produzione di stampe con “immagini prospettiche” (“uki-e”). La scuola Utagawa raggiunse una certa risonanza soprattutto con l’opera di Toyokuni (1769-1825), che si confrontò sia con i soggetti teatrali sia con quelli relativi al mondo femminile. La sua eredità artistica fu raccolta da un gruppo di allievi. Fra questi si possono ricordare Kunimasa (1773-1810), che eccelleva nei ritratti di attori caratterizzati da vitalità e potenza straordinarie, Kunisada alias Toyokuni III (1786-1864), forse il più prolifico esponente dell’Ukiyo-e nella prima metà del XIX secolo, Kuniyoshi (1797-1861), impegnato in particolar modo nella raffigurazione di temi storici e in ritratti di guerrieri, e Hiroshige, oggi il più noto. I successi artistici degli Utagawa dovettero però fare i conti costantemente con l’immenso genio di Hokusai, figura di spicco dell’arte giapponese nei primi cinquant’anni dell’Ottocento L’Ukiyo-e raccolse i suoi ultimi frutti vitali intorno alla metà del XIX secolo. Le “immagini del mondo fluttuante”, costituiscono una sorta di resoconto grafico dei progressi della cultura di un intero paese, il Giappone, che visse uno dei momenti più affascinanti della sua storia tra il XVII e il XIX secolo, nel periodo Edo-Tokugawa, conclusosi con la destituzione dell’ultimo shogun Tokugawa e la restaurazione dell’imperatore Matsuhito (1853-1912).

Esplora il dossier sull'arte Ukiyo-e del Giappone dal XVII al XIX secolo: stile, contesto e capolavori di Utamaro, Hokusai e Hiroshige.

Arte Ukiyo-e: Capolavori di Utamaro, Hokusai e Hiroshige

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