Immergiti nell'atmosfera stimolante di miart 2018 e lasciati coinvolgere dalle storie a strisce che raccontano "Una grande storia per una piccola luna". Esplora le opere di Kertész, Mollino e i talenti emergenti del Photography Grant. Scopri le mostre che esplorano la bellezza grezza, il grido contro la violenza e la potenza della fantasia. Approfondisci il legame tra mito, sogno e realtà e lasciati ispirare dalle opere che riflettono la vera essenza dell'arte contemporanea.

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arte contemporanea - miart 2018

storie a strisce - Una grande storia per una piccola luna

blow up - Kertész, Mollino, Photography Grant

architettura per l’arte - Il bianco, la luce, tra mare e deserto

XXI secolo. 1 - Nel corpo della materia pittorica

Grandi mostre. 1 - Raw Beauty

XXI secolo. 2 - Un grido contro la violenza

Grandi mostre. 2 - Fantasia al potere

Grandi mostre. 3 - Ogni dipinto una storia

Studi e riscoperte. 1 - Tra mito, sogno e realtà

la pagina nera - Ma al ponte di Bassano chi mai darà una mano?

Grandi mostre. 4 - Un Rinascimento alpestre

Grandi mostre. 5 - Aria di famiglia

Studi e riscoperte. 2 - Lo specchio del vero di Fabrizio Pesando

in tendenza - Un fuoriclasse del mercato mondiale

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l’oggetto misterioso - Profilo perduto

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Grandi mostre. 5 Giovanni Bellini e Andrea Mantegna a Venezia DI FAMIGLIA ARIA Diversi artisticamente ma uniti da un legame familiare - la sorellastra di Bellini sposa Mantegna -, i due maestri del Quattrocento si confrontano alla Fondazione Querini Stampalia attraverso le loro due versioni della (per la prima volta in mostra insieme), cuore del progetto espositivo qui descritto da uno dei curatori. Presentazione di Gesù al tempio Giovanni Carlo Federico Villa n aperitivo di successo, il Bellini di Cipriani, un quartiere popolare di Milano, il Giambellino. Se pochi sono gli artisti che possono fregiarsi di simili riconoscimenti, forse nessuno tra i grandi è negletto quanto Giovanni Bellini (1438/1440-1516). Uomo la cui vita non ha lasciato spazio all’encomiastica ottocentesca, perché raramente un pittore eccelso, un classico alle soglie della modernità, «uno dei grandi poeti d’Italia » nella definizione di Roberto Longhi, è tanto congetturale. Un mito sbiadito in quel Novecento che ha invece esaltato in modo assoluto Andrea Mantegna (1431-1506), l’acme raggiunto nel 1961 a Mantova: duecentocinquantamila visitatori in due mesi, quattro ristampe del catalogo per una mostra epica, capostipite dell’odierna “mostrofilia”. U Due giganti della storia dell’arte occidentale caratterialmente assai distanti ma uniti da un profondo legame familiare: la figlia di Jacopo Bellini e sorellastra di Giovanni, Nicolosia, sposa dal 1453 di Mantegna. Il loro sarà un lungo matrimonio, allietato da sei figli, quasi tutto trascorso ai margini della coltissima corte di Mantova dove Andrea è artista, decoratore e ancor più consigliere del duca per tutte le cose d’arte. Il rapporto fra cognati e fra fratelli lo possiamo soltanto immaginare: nessun documento svela la loro affettività e dimestichezza. Solo le loro opere parlano, a chi voglia intenderle anche come espressione di sentimenti nonché di stile, tecnica, costruzione iconografica. Dal matrimonio generandosi uno dei più appassionanti dialoghi pittorici del Quattrocento, imperniato principalmente sul passo del Vangelo di Luca (2, 22-35) dedicato alla purificazione, soggetto Mantegna, ora nella Gemäldegalerie di Berlino, e della veneziana di Giovanni Bellini. Una coppia di opere che, per la prima volta dopo mezzo millennio, si trovano esposte una accanto all’altra a Venezia ( , fino al 1° luglio). Un evento eccezionale in un’eccelsa cornice: le sale auliche di una delle più straordinarie case-museo del mondo, la Fondazione Querini Stampalia, gioiello neoclassico oggi incastonato tra i mirabili interventi novecenteschi di Carlo Scarpa e Mario Botta. Presentazione di Gesù al tempio Capolavori a confronto. Bellini/Mantegna. Presentazione di Gesù al tempio Giovanni Bellini, Presentazione di Gesù al tempio (1475 circa), particolare, Venezia, Fondazione Querini Stampalia. Le figure chiuse in autonomo isolamento, i gesti ridotti all'essenza narrativa «Scolpì in pittura propria viva et vera»: nel sonetto di Ulisse degli Aleotti troviamo il senso profondo dell’arte di Mantegna e un passo magnificamente rapportabile all’azione della Presentazione, bassorilievo classico mutato in pittura, le figure chiuse in autonomo isolamento, i gesti ridotti all’essenza narrativa. Su di un’esilissima tela di lino i sacri attori sono profilati dal fondo scuro, così da avere rilievo scultoreo, centrati retoricamente in una cornice di marmi mischi che scinde ma anche crea un’illusione di continuità tra il campo pittorico e lo spazio del fedele. Evidente nel gomito della Madonna poggiato sulla mensola della finestra, quasi a misurare la profondità dello spazio e reggere il Bambino fasciato, tratto da una formella dell’altare donatelliano della basilica di Sant’Antonio di Padova. Dallo sfondo emergono infine Giuseppe - frontale e severo a osservare l’atto, conscio dell’annuncio ferale dell’anziano sacerdote - con, ai lati, Mantegna che si autoritrae ed effigia sul lato opposto Nicolosia. Compiuta intorno al 1454, l’opera plausibilmente si connota quale immagine votiva a ringraziamento per la sopravvivenza del primo nato della coppia e diviene un dipinto di grande fascinazione per Giovanni Bellini, che ne trarrà un cartone ricalcando i contorni della pittura. Per poi, intorno al 1475, creare un’immagine praticamente identica nella composizione ma emotivamente del tutto originale. Andrea Mantegna, Presentazione di Gesù al tempio (1454 circa), Berlino, Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie. Introducendo un parapetto di breccia verde antico in luogo della cornice marmorea, Bellini allunga orizzontalmente il campo per inserire altre due figure ai margini opposti della composizione. Un dettato che consente un’originale prossimità sentimentale, fatta di gesti, sguardi e dell’affettuosa dolcezza che inevitabilmente coinvolge un gruppo di persone accanto a un neonato. Accompagnandosi con una regia luministica profondamente diversa da quella mantegnesca, orientata a una bidimensionalità prospettica cui viene intonata la pelle delle figure, con Bellini attento invece all’analisi tridimensionale ottenuta tramite il chiaroscuro e una temperie cromatica addolcita, del tutto sconosciuta all’austera severità mantegnesca. Sviluppando il peso dello spazio non dipinto, con le tenebre che creano un vuoto sopra le teste tale da sospendere in un tempo eterno e silenzioso il gioco degli sguardi. Così il Bambino si rivolge all’indefinito orizzonte e nessuno lo guarda, dando durata sacrale a un momento che altrimenti si perderebbe in un rito di quotidianità. Ma il rito c’è, assoluto: il dono in fieri di un Bambino, stretto nella fasciatura, già presago. Al contempo Bellini scioglie il tono fermo e immoto degli attori mantegneschi tramite una fluida modulazione atmosferica, la luce definendo un insieme pittorico di grande morbidezza accompagnato dalla resa dei tessuti, eclatante il velluto broccato e allucciolato del sacerdote. Giovanni Bellini, Presentazione di Gesù al tempio (1475 circa), Venezia, Fondazione Querini Stampalia. Giovanni Bellini, Continenza di Scipione (1507-1508), Washington, National Gallery of Art. Il pennello facendosi punta di diamante a cesellare il comporsi dei volumi L’esito finale del dialogo a distanza tra i cognati sono due composizioni dal ritmo lento e sospeso conquistato tramite codici visivi diversi, in una logica percettiva del tempo di lettura riconducibile allo stile proprio dei due maestri. Con Mantegna il pennello facendosi punta di diamante a cesellare il comporsi dei volumi; procediamo allora vigili, con cautela, di contorno in contorno, avvinti dalla specificità di forme che non lasciano dubbi. Forme di pietra, veli, velluti, gesti e sguardi la cui invincibile sostanza ci inchioda e trattiene. In Bellini il pennello accarezzando la tela, allargandosi in soffuse superfici, accompagnando lo sguardo tra un castone cromatico e l’altro; la lettura più disinvolta, accolti in prima istanza da una luce-colore che fattasi attorno a noi decanta in forme che si rivelano dolcemente in tutta la loro importanza. E allora, nel confronto, attualissima resta la riflessione di Lorenzo da Pavia che, nel 1504, rivolgendosi a Isabella d’Este sentenziava: «De invenzione nessuno non pò arivare a Messer Andrea Mantegna che invero z’è ecelentisimo e el primo, ma Giovane Belino in colorir è ecelente». Andrea Mantegna, Orazione nell'orto (1455), Londra, National Gallery. Andrea Mantegna, Presentazione di Gesù al tempio (1454 circa), particolare, Berlino, Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie. Capolavori a confronto. Bellini/Mantegna. Presentazione di Gesù al tempio Venezia, Fondazione Querini Stampalia a cura di Brigit Blass-Simmen, Neville Rowley e Giovanni Carlo Federico Villa fino al 1° luglio orario 10-18, chiuso lunedì catalogo Silvana Editoriale www.querinistampalia.org

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miart 2018, storie a strisce e narrazioni visive

APRILE 2018

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