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IL RITRATTO ITALIANO NEL RINASCIMENTO

Ottobre 2024

ART E DOSSIER N. 424

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ROMANINO

ART E DOSSIER N. 425

Dal Sanremo del passato alla linea russa, dalle storie a strisce alla ricerca della Heimat. Esplora le mostre di Gaetano Previati a Ferrara, George IV a Londra e Caravaggio e Bernini ad Amsterdam. Approfondisci gli studi su Artemisia Gentileschi e Jacques Coeur. Resta informato sulle tendenze con le interviste esclusive, come quella a Jeffrey Schnapp, direttore del metaLAB di Harvard.

Art news

save italy - Il Sanremo che non c’è più

camera con vista - La sottile linea russa

storie a strisce - Alla ricerca della propria Heimat

architettura per l’arte - Un termometro delle oscillazioni del gusto

Musei da conoscere - Il Mo Museum di Vilnius - Il museo cangiante

la pagina nera - Dopo il sisma ormai quell’arte viene messa assai in disparte

Intervista - Jeffrey Schnapp, direttore e fondatore del metaLAB di Harvard - Un caleidoscopio del Novecento

Grandi mostre. 1 Gaetano Previati a Ferrara - Pennellate serpentiformi

Grandi mostre. 2 George IV a Londra - Voluttuoso ed esuberante

Grandi mostre. 3 Porcellane cinesi a Milano - La stanza delle meraviglie

Grandi mostre. 4 Caravaggio e Bernini ad Amsterdam - Incroci barocchi

Grandi mostre. 5 Artemisia Gentileschi a Londra - Un’indomita creatività

Studi e riscoperte. 1 Artemisia Gentileschi - Un ritratto ancora da esplorare

Studi e riscoperte. 2 Jacques Coeur - L’alchimista e la sua dimora filosofale

Grandi mostre. 6 Mantegna a Torino - Un percorso da manuale

l’oggetto misterioso - L’enigma di un sorriso

in tendenza - Un artista innovativo

Cataloghi e libri

Versione cartacea

Grandi mostre. 5 Artemisia Gentileschi a Londra UN’INDOMITA CREATIVITÀ Le eroine bibliche e della storia antica sono le protagoniste dell’importante mostra londinese dedicata ad Artemisia Gentileschi: Giuditta, Cleopatra, Ester, Susanna e Giaele, raffigurate con soluzioni teatrali e drammatiche da una sensibilità assolutamente femminile. Valeria Caldelli a casta Giuditta è elegantissima nella sua  L bellezza un po’ maschia mentre decapita  la testa ricciuta del generale Oloferne: il  prezioso bracciale dagli ovali di pietra è  rialzato sul braccio perché non disturbi  la feroce impresa, le maniche dell’abito  sontuoso portate sopra il gomito quasi si  trattasse di una faccenda domestica. Giaele, sguardo  mite e orecchini di perle, è accovacciata sulle ginocchia  quando brandisce il martello con cui è pronta a  conficcare il picchetto nella testa del dormiente Sisara. E Susanna, gli occhi pieni di paura, cerca di  coprire la sua bellezza opulenta dallo sguardo concupiscente  dei due vecchioni. La carriera di Artemisia  comincia nel 1610, a soli diciassette anni, proprio  con lei, Susanna, nella bottega del padre Orazio Gentileschi  a Roma, tra garzoni e popolane che offrivano  i loro volti per santi e Madonne, in quell’inquieto fermento  che accompagnò la profonda trasformazione  dell’arte all’arrivo del Caravaggio. E si concluderà  a Napoli, oltre quarant’anni più tardi, dipingendo  lo stesso racconto biblico, forse con meno coinvolgimento  emotivo ma con un’identica volontà di so pravvivenza. Nel mezzo una biografia  avventurosa e un repertorio  di eroine per un nuovo genere di  storia, quella al femminile. Vita e  arte si fondono in un personaggio  di straordinario coraggio e determinazione,  a partire dallo stupro subito a diciassette  anni e dal successivo mortificante processo che la  espose allo scherno e che avrebbe distrutto reputazione  e carriera a qualsiasi altra donna di tutti i  tempi. Ma non a lei, che concentrò la sua ira sulla  cieca violenza delle sue Giuditte, sui gesti mortiferi  di Giaele e di Dalila, offrendo immagini teatrali di  potenza inattesa. Fu la pittrice a far trionfare la  donna e a trasformarla nella “signora” dai clienti  importanti e dai potenti ammiratori. «Farò vedere  a V.S. Illustrissima quello che sa fare una donna»,  scriveva il 7 agosto del 1649 a don Antonio Ruffo,  uno dei suoi numerosi committenti. Ma la celebrità  si spense pochi decenni dopo la morte, avvenuta nel  1654 a Napoli. Giuditta e Oloferne (1613-1614 circa), Firenze, Gallerie degli Uffizi. Tornata a essere famosa nella seconda  metà del secolo scorso per le sue storiche paladine,  interpreti di un’evidente sete di vendetta e simboli del  femminismo, oggi si rende giustizia a quelle geniali  interpretazioni restituendo alla prodigiosa artista  la fama che aveva in vita. Ed è davanti alla statua  dell’ammiraglio Nelson, nella centralissima Trafalgar  square, che Londra celebra Artemisia Gentileschi  con una sorprendente mostra alla National Gallery  dove sono raccolte una trentina di grandi opere  dell’artista italiana. Appena due anni fa il suo Autoritratto  come santa Caterina d’Alessandria è entrato a  far parte della prestigiosa raccolta londinese, mentre  l’affascinante Autoritratto come allegoria della Pittura  (in mostra) appartiene alla collezione reale. «Artemisia continua a ispirare romanzi, film,  documentari, musical e opere teatrali, soprattutto  legati ad alcuni aspetti della sua vita. Noi invece  vorremmo focalizzare l’attenzione sul suo talento  artistico e sulla sua indomita creatività», sottolinea  Letizia Treves, curatrice dell’esposizione. «Lei ci racconta  la storia di questi soggetti mitologici e biblici  e ne dà un’interpretazione assolutamente femminile. Artemisia, in quanto donna, poteva ben capire cosa  provavano Susanna e Giuditta ed era capace di riprodurre  le sue protagoniste con eccezionale sensibilità  e concretezza». Anche Giuditta, oltre a Susanna, ritorna spesso  nelle scene passionali di Artemisia. Se la tela delle  Gallerie degli Uffizi ci stupisce per la furia omicida  della bella ebrea, inquadrata in un fascio di luce,  quella del museo di Capodimonte è un altro “colpo  di teatro” reso persino più crudo dall’inquadratura  ravvicinata e dal blu intenso dell’abito - ottenuto  con il prezioso lapislazzulo - in contrasto con la luminosità  con cui si sottolinea l’atto assassino. Ma a  chi appartiene il volto di Oloferne, stravolto mentre  la spada recide implacabile il suo collo e rivoli di  sangue insozzano le bianche lenzuola? Forse a quell’Agostino  Tassi, anche lui pittore, che aveva  stuprato la giovanissima Artemisia?  O forse al padre di lei,  Orazio, collerico e possessivo? Oppure  a entrambi, in quanto portatori  di quella violenza contro le  donne così dolorosamente scontata ma dall’artista  contrastata con una rabbia furente? Di certo sappiamo  solo che in quelle figure è Artemisia a prestare  il volto a Giuditta. Era capace di riprodurre le sue protagoniste con eccezionale sensibilità e concretezza Orazio Gentileschi, Giuditta con la sua ancella (1608 circa), Oslo, Nasjonalmuseet. Ed è sempre lei a interpretare  molte altre protagoniste-eroine. L’uso ripetuto  della sua immagine potrebbe essere stato un mezzo  pubblicitario, un metodo per promuoversi tra i collezionisti  e farsi largo in mezzo a una feroce concorrenza  fatta di uomini. Ma forse era anche un modo  tacito, eppure indelebile, per rivendicare rispetto e  considerazione per la donna che era. Proprio a questo suo coraggio dobbiamo altre  opere di profonda complessità psicologica. Come  quando la paura diventa protagonista principale  della scena. Non solo nelle molte Susanne che cercano  di opporsi ai vecchioni, ma anche nella calda  complicità tra Giuditta e l’ancella Abra subito dopo  l’uccisione di Oloferne, quando, con la testa mozzata  adagiata su un cestino, devono uscire dall’accampamento  nemico. La tela degli Uffizi (1615-1617) è un  pezzo di bravura che va ben al di là dei pizzi, delle  trine, e della superba acconciatura di Giuditta-Artemisia. Qui si racconta l’ansia e il terrore di essere  scoperte in maniera assai più palpabile che nello  stesso soggetto dipinto dal padre. Le due opere in  mostra sono messe a confronto. «Sicuramente Artemisia  aveva visto il quadro di Orazio perché ancora  lavorava nella bottega romana», spiega Letizia  Treves. «L’immagine del padre è molto raffinata, ma  la figlia, comprimendo la composizione, la rende più  drammatica con il sangue che scende dal cestino e  con quel tocco della mano sulla spalla dell’ancella  che sottolinea l’urgenza. Giuditta con la sua ancella (1615-1617), Firenze, palazzo Pitti, Galleria palatina. Anche nell’opera di Orazio,  Giuditta compie lo stesso gesto, ma non vi si legge lo  stesso allarme». L’esposizione della National Gallery  segue attraverso le opere tutta la vita della pittrice. Una vita temeraria, ardita, spesso contraddittoria,  nell’ambizione costante di crearsi una rispettabilità,  lei che per prima infrangeva le convenzioni sociali. Col marito, Pierantonio Stiattesi, procuratole dal  padre per rimediare alla vergogna dello stupro, andrà  a vivere a Firenze fino a quando, nel 1620, fuggirà  di nuovo a Roma. Con l’amante adorato, Francesco  Maria Maringhi, ricco nobiluomo fiorentino, ebbe  una relazione appassionata, ma non senza interesse,  vista la sua costante richiesta di denaro. E quando,  dopo aver definitivamente rotto i rapporti con il  padre, anche del marito si persero le tracce, visse ufficialmente  sola. Negli ultimi venticinque anni della  sua vita la troviamo a Napoli, ma non senza lunghi  periodi di assenza, trascorsi a Venezia e a Londra. Ovunque sapeva adattarsi, non solo nella vita quotidiana,  ma anche nella professione, lasciando filtrare  nella sua pittura le mode del momento per attrarre  i committenti. Fu la prima artista a essere ammessa  nella prestigiosa Accademia delle arti del disegno di  Firenze, fu dama di corte e insieme scandalosa concubina. Fu molte volte madre. Fu forte e intelligente,  ma anche vulnerabile e fragile in amore. A Londra è tornata oggi, dopo quasi quattro secoli,  da quando, nel 1647, lì si ricongiunse al padre  Orazio, pittore alla corte di Carlo I. Ma la sua non  fu missione familiare, bensì politica voluta dal papa  - si dice - nel tentativo di riportare la Corona inglese  al cattolicesimo. Ed è ancora sul contrastato  rapporto tra Artemisia e il padre  che si chiude la mostra. Altre due  opere sono messe a confronto:  Giuseppe e la moglie di Putifarre e  Ester davanti ad Assuero . Spiega  la curatrice: «Sono entrambe  storie del Vecchio Testamento  centrate sulle due figure di uomo  e di donna. Nella prima, di  Orazio, si apprezza l’eleganza  e la finezza della rappresentazione,  ma, di nuovo, in  un’atmosfera fredda, senza  drammi né coinvolgimenti. Nella seconda, di Artemisia,  alla ricchezza dei tessuti e  alla varietà dei costumi, si aggiunge  un’interpretazione più  profonda ed empatica che fa  di Ester una figura eroica e  coraggiosa». Siamo negli anni  Trenta del Seicento: l’ombra  di Orazio che gravava sulla figlia  è ormai dissolta. Davanti  a loro la strada è separata. Una vita temeraria, ardita, spesso contraddittoria Giaele e Sisara (1620), Budapest, Szépmüvészeti Múzeum. Ester davanti ad Assuero (1628-1630 circa), New York, Metropolitan Museum of Art. IN MOSTRA - IL RITRATTO DI ARTEMISIA DI SIMON VOUET «Un miracolo della pittura, più facile da invidiare che da imitare»,  così i contemporanei definivano Artemisia, come si legge a margine  di un’incisione di Jérôme David tratta da un autoritratto perduto  dell’artista. Rientrata a Roma dopo i sette anni fiorentini, la pittrice  è ormai una leggenda e sono in molti a volerla ritrarre. Simon  Vouet, maestro francese, tra i massimi interpreti del caravaggismo,  ce la mostra con pennelli e tavolozza nelle mani, l’abito giallo zafferano  dall’elegante fusciacca blu, lo sguardo impavido e i capelli  stranamente corti che mettono in mostra la perla dell’orecchino. «È  uno dei ritratti più rappresentativi del Seicento europeo», commenta  Francesco Solinas, critico d’arte e profondo conoscitore dell’artista. «È un’immagine parlante, che descrive le sembianze e l’intensa natura  della donna appena trentenne nella prodigiosa congiuntura del  suo primo trionfo romano». L’opera di Vouet, ora esposta alla National  Gallery, è l’unico ritratto conosciuto dell’artista nella sua veste  quotidiana, fuori dal palcoscenico delle sue protagoniste bibliche. A individuarla con certezza un piccolo gioco enigmistico-archeologico  che non è sfuggito agli storici dell’arte: il medaglione appeso  sul corpetto di raso dove compare un edificio a pianta circolare e la  scritta «Mausoleion». Si tratta del Mausoleo edificato ad Alicarnasso  dalla principessa Artemisia per il defunto Mausolo, suo fratello e  marito. Fu Cassiano dal Pozzo, studioso e collezionista, tra i molti  estimatori di Artemisia, oltre che collaboratore  dei potenti cardinali Barberini e del  Monte a commissionare il ritratto, recentemente  acquistato dalla Fondazione Pisa  per Palazzo blu ed entrato nelle sue collezioni. Un importante omaggio ad Artemisia  e Cassiano che, come Orazio, hanno avuto  stretti legami con la città toscana.  Simon Vouet, Artemisia Gentileschi (1623 circa), PIsa, Palazzo blu. Artemisia Londra, National Gallery a cura di Letizia Treves dal 4 aprile al 26 luglio www.nationalgallery.org.uk

Scopri storia di Sanremo, linea russa e storie a strisce. Mostre su Previati, George IV e Caravaggio. Approfondimenti su Gentileschi e Coeur.

Sanremo, Linea Russa, Mostre Previati, George IV, Caravaggio

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ART E DOSSIER N. 375

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