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IL RITRATTO ITALIANO NEL RINASCIMENTO

Ottobre 2024

ART E DOSSIER N. 424

VEDOVA

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ROMANINO

ART E DOSSIER N. 425

Da Rivoli a Londra, ti porta in un viaggio attraverso l'arte contemporanea e le sue molteplici sfaccettature. Esplora la fusione di anime a Rivoli e GAM, immergiti nelle opere di Braco Dimitrijević e Boccioni, e scopri la cucina come arte nel XXI secolo. Con analisi approfondite, studi e riscoperte, e un'immersione nel museo immaginario, questo numero ti offre un'esplorazione senza confini nell'universo artistico contemporaneo.

Art news

finestre sull’arte - Rivoli e GAM: la fusione di due anime di Federico Giannini

cortoon - Ferri corti, medi, lunghi di Luca Antoccia

arte contemporanea - Frieze Projects di Cristina Baldacci

blow up - Strand, Muybridge, Newton di Giovanna Ferri

Grandi mostre. 1 Braco Dimitrijević a Torino - Una storia, tante storie di Elena Agudio

arte in coppia - Karen Mirza e Brad Butler. Una missione etica di Cristina Baldacci

XXI secolo - Cucina come arte - L’arte si mangia? di Nicola Perullo

Grandi mostre. 2 Arte italiana degli anni Sessanta a Venezia - All’alba di un nuovo giorno di Sileno Salvagnini

Grandi mostre. 3 Boccioni a Milano - Forme multiple della modernità di Maurizia Tazartes

Studi e riscoperte. 1 Il Museo Settala - Tra scienza e meraviglia di Antonio Aimi

Luoghi da conoscere. 1 Il Museo Ettore Guatelli a Ozzano Taro di Collecchio - La meraviglia dell’ovvio di Mario Turci

Grandi mostre. 4 Delacroix e la modernità a Londra - Un leader romantico di Melisa Garzonio

Dipingiamo con la lingua di Delacroix di Gloria Fossi

il museo immaginario - Il prigioniero divenuto artista di Alfredo Accatino

Luoghi da conoscere. 2 Il santuario della Beata Vergine Maria delle Grazie a Curtatone - Una wunderkammer per grazia ricevuta di Lorenzo Bonoldi

Studi e riscoperte. 2 Brueghel il Vecchio, i ciechi e la cuccagna - I due volti della stoltezza di Ettore Janulardo

Save Italy - La riforma del Mibact - La riforma riformata di Fabio Isman

in tendenza - Piazza del Popolo alla riscossa di Daniele Liberanome

il gusto dell’arte - M’ ‘o ffaceva sulo mammà di Ludovica Sebregondi

Cataloghi e libri a cura di Gloria Fossi

Versione cartacea

Grandi mostre. 2 Arte italiana degli anni Sessanta a Venezia di un nuovo giorno All’AlbA Gli anni compresi tra il 1960 il 1969, sono al centro di una mostra alla Peggy Guggenheim Collection. Anni fecondi per la nascita di nuovi linguaggi visivi nella pittura, nel cinema e nella fotografia. Sileno Salvagnini possibile ideare una mostra d’arte italiana che interessi “solo” una decina d’anni, nove per l’esattezza, dal 1960 al 1969, senza per ciò stesso ricorrere a vetuste e inflazionate etichette come Informel, New Dada, Pop Art, Arte programmata, concettuale, povera, ecc.? Con convinzione è quanto suggerisce Luca Massimo Barbero nella scelta della cinquantina di opere e nel relativo catalogo che accompagna la mostra (Venezia, Peggy Guggenheim Collection, 23 aprile - 19 settembre).  È Imagine. Nuove immagini nell’arte italiana 1960-1969 L’idea di fondo è che convenga partire dalle immagini in se stesse e dalle sperimentazioni che in quegli anni fatidici, specialmente a Roma, ma non solo, gli artisti effettuarono, spesso in solitudine; e comunque solo con forzature filologiche e contenutistiche riconducibili a definizioni non di rado provenienti da contesti stranieri. Ulteriore aspetto significativo è che tale convinzione viene suffragata da opere poco o per nulla note, quasi sempre di grandi dimensioni. è da sottolineare ancora, prima di entrare nel vivo di questa mostra, che da ormai almeno una ventina d’anni, lavorando in diversi ambiti espositivi fra cui la Basilica palladiana di Vicenza, la stessa Peggy Guggenheim Collection, la Fondazione Cassa di risparmio di Modena, il Macro - Museo d’arte contemporanea di Roma, e infine la Fondazione Giorgio Cini di Venezia, Barbero con tenacia difende una nozione d’arte italiana dal secondo dopoguerra agli anni Sessanta mai banale, bensì aspirante a pieno titolo a quel posto che le spetta nell’arengo mondiale. Tano Festa, La grande odalisca (1964). Mauri, Lo Savio, Angeli, Festa, Pistoletto, Schifano maturarono una specie di supercodice, di «idioletto estetico», avrebbe detto Umberto Eco L’«azzeramento delle neoavanguardie» avvenne attraverso un progressivo superamento, osserva il curatore, di quella che era stata la cultura dell’Arte concreta ma in particolare del monocromo. Mauri, Lo Savio, Angeli, Festa, Pistoletto, Schifano e così via da tale superamento maturarono un linguaggio della “figura” da intendersi come auroralità, quale germinazione di linguaggi altri: una specie di supercodice, di “idioletto estetico”, avrebbe detto Umberto Eco. E questo non solo in pittura, ma anche in fotografia e nel cinema - siamo ancora una quindicina d’anni in anticipo sulla rivoluzione del personal computer e sulla possibilità grafica attraverso i monitor analogici.  Si parte da una prima sezione, che potrebbe definirsi della “cancellazione” ma anche dello “schermo”, con opere di Fabio Mauri, Francesco Lo Savio, Mario Schifano, Franco Angeli. L’opera iniziale di Fabio Mauri con cui apre la mostra, (1960) rappresenta in un certo senso una sorta di icona metaforica, meglio, di “sinopia”, visto che la garza parzialmente cela l’immagine sottostante: laddove, per esempio, i coevi manifesti del cinema strappati di Rotella (autore che più avanti troviamo, ma non con le solite tele stereotipate) rimandano a una nozione nostrana di Pop Art, quest’opera di Mauri incarna un linguaggio più intimo, mentale quasi, non gridato, dove l’arte per vie misteriose invia a una presenza antica, e dunque propriamente “italica”. Roma in quegli anni rappresentava quasi una deuteragonista della più “industriale” e moderna Milano, interpretata magistralmente dai monocromi di Fontana e dallo spazialismo in generale, con i loro ammiccamenti alla scienza, alla tecnologia, alla televisione: una sorta di voce sotterranea, non meno autentica, che lasciava trapelare il passato come dato che tende ad aggettare dal quadro gridando la propria esistenza. È il caso, per esempio, di di Francesco Lo Savio (1960), o ancor più di di Schifano (1960), lavoro assai raro ai confini fra la tela e la scultura.  Cinema e figura Metallo nero opaco uniforme Monocromo Non meno penetranti le immagini quasi “araldiche” di Franco Angeli, pure loro velate, quali (1965) e (1964): opere che denotano, osserva Barbero, un “impegno” politico affatto nostrano, mille miglia lontano dalla Pop Art. Testa di lupa capitolina Stemma pontificio Mario Schifano, Corpo in moto e in equilibrio (1963), Milano, Fondazione Marconi. Mario Schifano, Central Park East (1964), Milano, Fondazione Marconi. Giosetta Fioroni, Particolare della nascita di Venere (1965), Milano, Gallerie d’Italia. L’idea dell’“inciampo”, della dissonanza pare essere il leitmotiv della mostra Si passa quindi a capolavori dove si potrebbe dire fiorisce un rapporto nuovo - starei quasi per dire “postmoderno” - con i giacimenti culturali dell’immaginario artistico e urbano di casa nostra. Vi spiccano lavori giganteschi come di Tano Festa (1964); di Giosetta Fioroni (1965), che solo assai da lontano dialoga con le Marilyn Monroe di Warhol; ( ) di Tano Festa (1963), con un obelisco che ricorda - e credo fosse questa l’intenzione - il principio duchampiano di mettere ironicamente in “scatola” cose di dimensioni ben maggiori; di Mario Schifano (1963), che sembra voler asserire la propria contiguità con l’ leonardesco delle Gallerie dell’Accademia di Venezia, ma che rispetto a quello quasi pare “inciampare”, trovarsi spaesato come in un tempo non proprio.  La grande odalisca Particolare della nascita di Venere Nostalgia dell’infinito Obelisco Corpo in moto e in equilibrio Uomo vitruviano L’idea dell’“inciampo”, della dissonanza che questi artisti rappresentano almeno secondo la tradizionale loro collocazione, prima ancora come uomini del loro tempo che come artisti, pare proprio essere il leitmotiv che accompagna tutta la mostra. E restando a Schifano, come non scorgere la sensazione di trovarsi in un posto “altro”, alieno quasi, in un quadro come (1964), frutto del suo contatto con New York? Le immagini quasi si solidificano nelle ultime sezioni della mostra, sia perché si assiste all’ingresso della tecnica fotografica, sia nel senso che esse tendono alla tridimensionalità. Penso a opere come l’enorme , in cartapesta e tondini di ferro, di Michelangelo Pistoletto (1966-1968); oppure (1963-1965) di Mimmo Rotella, con l’interno di un’auto americana riportata fotograficamente su tela; o ancora (1965) di Pino Pascali, con analogo processo di riproduzione; o infine , ancora di Pistoletto (1965), dove la figura fitomorfa si trasforma in presenza inquietante. Da ricordare, da ultimo, l’impressionante di Domenico Gnoli (1968), specie di letto di contenzione degli manzoniani purificati attraverso il Cristo morto di Mantegna. Central Park East Mappamondo Posso? Armi Rosa bruciata White Bed Achromes Mimmo Rotella Posso? (1963-1965). Fabio Mauri, Cinema e figura (1960). Domenico Gnoli, Letto bianco (1968), Roma, MAXXI - Museo nazionale delle arti del XXI secolo. Imagine. Nuove immagini nell’arte italiana 1960-1969 a cura di Luca Massimo Barbero Venezia, Peggy Guggenheim Collection Dorsoduro 701 dal 23 aprile al 19 settembre orario 10-18 telefono 041-2405411 catalogo Marsilio www.guggenheim-venice.it

Esplora l'arte contemporanea con Braco Dimitrijević, Boccioni e altri. Grandi mostre ti conducono in un viaggio attraverso culture e storie.

Esplorazioni Artistiche: Braco Dimitrijević, Boccioni

MAGGIO 2016

ART E DOSSIER N. 332

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